＃14 Emile Claus（エミール・クラウス）たった一枚に込められたエネルギー

はじめに

風景に描かれている光は、外から差し込むのか、それとも内側からにじみ出るのか。《Zonnegloed（太陽の輝き）》は、クラウスの全作品の中でも極めて例外的な一枚です。形がほぼ消え、光だけが画面を支配しています。具象の世界で光を描き続けた画家が、一度だけ抽象の入口まで踏み込んだ——その記録がこの絵です。

作者と作品の背景

エミール・クラウス：ベルギー・ルミニスムの創始者

エミール・クラウス（1849–1924）はベルギーのフランデレン地方に生まれ、アントウェルペン王立美術アカデミーで学んだ後、1890年代にパリを訪れてクロード・モネの作品に触れ、大きな影響を受けました。モネの印象派を基盤としながら、ベルギーの北方の光に特化した独自のスタイルを確立し、「ルミニスム（光主義）」と呼ばれるベルギー印象派の流れを生み出しました。

クラウスはルイエ川沿いのアステーネに自宅兼アトリエを構え、ベルギーの農村風景と光の関係を生涯描き続けました。1904年には芸術家グループ「Vie et Lumière（生と光）」を設立し、「太陽の画家」「レイエ川の画家」として知られるようになります。

• モネからの影響と独自性 クラウスはモネの筆触と光への感受性を受け継ぎましたが、その作風は基本的に具象でした。風景画においても人物画においても、形はふわりと柔らかく光の中に溶けますが、形そのものが消えることはありませんでした。

• ロンドン亡命期 第一次世界大戦中、クラウスはロンドンに亡命し、テムズ川の風景を描く連作を制作しました。この時期の作品はモネのテムズ川連作に触発されており、霧と光の表現においてさらに深化しています。

• 時代の変化 1918年にベルギーに戻った時、美術界はすでに表現主義の時代に移行しており、クラウスのルミニスムは時代遅れと見なされるようになっていました。
  

作品の解説

《レイエ川の十月の朝》1901年　ゲント美術館蔵

クラウスの典型的なルミニスムを示す作品です。秋のレイエ川沿いの朝——裸木、草原、野の花、朝霧。形はあくまで具象として存在していますが、光が画面全体に充満し、すべてを柔らかく包んでいます。

モネの影響は明らかですが、クラウスの光はモネより穏やかです。北方ベルギーの光は地中海の光より拡散しており、形を消すほどの強さを持ちません。木の枝、草の葉、野の花——それぞれが光の中でふわりと輝きながらも、形としての存在を保っています。これがクラウスの通常の作風です。

《太陽の輝き》1905年　アントウェルペン王立美術館蔵

クラウスの全作品の中で、これだけが別次元に属しています。

画面の大部分を占めるのは、太陽から放射状に広がる色の層です。中央の黄色から外縁の青紫へと連続する階調は、光が色に分解されていく過程の表現です。地平線はわずかに水平線として残されていますが、それがなければ完全な抽象画です。資料でも「ほぼ抽象の境界まで踏み込んだ唯一の作品」と評されています。

クラウスがなぜこの一枚だけでここまで踏み込んだのか、記録は残っていません。しかし1905年という年を考えると、示唆的です。この年、ヨーロッパの美術は急速に変容しつつありました。フォーヴィスム、そしてまもなくキュビスムへ——形を解体し色を解放する動きが各地で起きていました。

しかしクラウスはこの方向には進みませんでした。《太陽の輝き》の翌年、彼はヴェネツィアを訪れ、再び具象の世界に戻ります。抽象は、この時代のクラウスには早すぎたのかもしれません。

《ムラーノ島、ヴェネツィア》1906年

《太陽の輝き》の翌年、クラウスはヴェネツィアを訪れました。水の都の光は、ベルギーの北方の光とも、《太陽の輝き》の放射する光とも異なります。水面に反射し、建物の壁に跳ね返り、大気の中に拡散する——ヴェネツィアの光は複雑で豊かです。

画面には形があります。ムラーノ島の建物、鐘楼、小舟、水面の揺らぎ——すべてが光の中に溶けながらも、具象としての存在を保っています。《太陽の輝き》での抽象への踏み込みは、ここでは静かに引き戻されています。形と光の共存——それがクラウスの本来の世界でした。

《ウォータールー橋の夕日》1916年　オスカー・デ・ヴォス・ギャラリー蔵

第一次世界大戦中、ロンドンに亡命していたクラウスはテムズ川の風景を描き続けました。モネが同じテムズ川を描いた連作から十数年——クラウスはその光の遺産を受け継ぎながら、独自の表現に到達しています。

太陽は存在感を増し、全天を支配しているようです。光は放射状ではなく環状の層として描かれ、空気を通した光というより、光そのものが物質的存在として「此処に光ありき」として鑑賞者に迫ってきます。ターナーやシスレーが光に照らされる風景が溶解されるように描いたのに対し、クラウスは光そのものを実体のある存在として、空間を作り出すものとしてその物質的存在感を強調しました。

クラウスの光——抽象への踏み込みと帰還

4点を年代順に並べると、クラウスの軌跡が見えてきます。

1901年の《レイエ川の十月の朝》から1916年の《ウォータールー橋の夕日》まで——クラウスは一貫して具象の世界で光を描きました。形はふわりと光の中に溶けますが、消えることはない。それがルミニスムの本質でした。

その軌跡の中で、1905年の《太陽の輝き》だけが異質です。形が消え、光だけが残る——クラウスが一度だけ踏み込んだ抽象の入口です。

この1905年という年を考えると、示唆的です。抽象絵画の誕生はいつかという問いに対して、美術史はカンディンスキーの1910年の水彩画を最初の抽象画として挙げることが多い。クラウスの《太陽の輝き》はそれより5年早い。もちろんクラウスは意識的に抽象を目指したわけではなく、光を徹底的に追求した結果として形が消えてしまった——その偶発的な到達点でしたが。

ではなぜクラウスはそこにとどまらなかったのか。一つの答えは、商業的な成功にあるかもしれません。

クラウスは1893年から1900年の全盛期に、ベルギーとフランスで最も人気のある画家の一人でした。ブリュッセルとパリのサロンで高評価を受け、1900年のパリ万博では金メダルを受賞。ベルギー王室が作品を購入し、ロダンやエミール・ゾラとも交友を持つほどの著名人でした。よく売れる画家でした。

売れている画家が市場を失うリスクを冒してまで、誰も理解しない方向に進むことは難しい。翌1906年にクラウスはヴェネツィアを訪れ、《ムラーノ島》を描きます。形は戻っています。抽象への踏み込みは、この一枚だけで静かに終わりました。

皮肉なことに、クラウスが抽象にとどまらなかったことが、晩年の失速を招いたとも言えます。1918年にロンドンから帰国したとき、ベルギーの美術界はすでに表現主義とキュビスムの時代に移行していました。ルミニスムは時代遅れと見なされ、クラウスへの関心は急速に失われていきます。1921年のブリュッセルでの回顧展を最後に、彼はベルギー国外ではほぼ忘れられた存在となり、1924年に故郷アステーネで没しました。

抽象は早すぎた。しかし具象にとどまることで、時代に置いていかれた。もしクラウスが《太陽の輝き》の抽象的表現をさらに深めていたら、美術史もまた違ったものになっていたかもしれません。

生成AIによる比較検証：形があったら、何が失われるか

《太陽の輝き》の太陽を、クラウスの通常のルミニスムスタイル——《ムラーノ島》に代表される具象の作風——で描き直しました。

川と草原と木々が現れ、帆船が水面に浮かんでいます。太陽は力強く輝き、光が画面全体に充満しています。これは美しい絵です。クラウスらしい、光に満ちたベルギーの風景画です。

しかし原画と並べると、何かが失われています。形が現れた途端、光の絶対的な存在感が薄れます。光は風景を照らすものになり、風景の主役の座を風景に譲り渡します。原画では光だけが世界のすべてでした。この再解釈では、光は美しい風景の一部です。

クラウスが《太陽の輝き》で形を消したのは、偶然ではなかったのかもしれません。光だけを描くためには、形を消すしかなかった——《太陽の輝き》では光の持つ根源的エネルギーが現れているようです。《太陽の輝き》はクラウスのすべての作品の中で、最も力強いものではないでしょうか。