interview Camila Meza"Ambar" - カミラ・メサ：政府が真っ先に攻撃するのはアーティスト。アーティストは真実を語ってしまうし、会話の口火を切ろうとするから。（6,200字）

樹木が傷ついたときに自分の傷を守るために樹液を出して、それが固まって石のようになる。ことによって琥珀が出来上がる。琥珀にはネガティブなものをポジティブなものに変換していくヒーリングの力があると言われてる。だから、その意味を込めています。

少し前から音楽が持つ可能性を考えるようになって、そこでヒーリングの力の可能性について考えるようになったのがこのアルバムを作るようになったきっかけ。最初に作った曲は「Amber」で、2009年、NYに移ってすぐに書いた曲。祖父が亡くなったんだけど、でもそのタイミングで自分はチリに戻ることができなかった。大好きな人を無くした喪失感を自分で癒すために作った曲。私の祖父のスピリットと繋がりたい気持ちを唯一可能にしてくれたのは「Amber」を書く作業だったと思う。

メタファーとしての樹液のヒーリング作用と樹液が石に変わるってことの両方が、自分にとってはこの曲を生み出せたってことそのものだったと気付いた。ある一瞬の人生のモーメントを曲にすることによって、そのモーメントが形として残って、時を経て、その時の自分の気持ちを振り返る、みたいなことが可能になる。それが私にとっての「曲」だと思った。その曲を書いたときのコンセプトが気に入って、それがアルバムのために大きなコンセプトになっていった。

私は今回のサウンドをすごく気に入ってる。小川慶太のパーカッションとノーム・ウィーゼンバーグのベースやピアノの貢献で出来上がったテクスチャーが豊かなサウンドがあったから、私はそこに乗っかって歌うことができた。シンガーとしては、アプローチがいくらでも創造できるようなサウンドだった。今回のオーケストレーションで感じるのはドラマ性と叙情性。そういったことを感じさせてくれる音なので、自分の中で高ぶってくる感情をそのサウンドが後押ししたり、引き出してくれたと思う。きっと聴いている人にも私の気持ちが伝わるはず。

「Amber」「Atardecer」はネクター・オーケストラ以前にさかのぼる曲。既に出来上がっていたんだけど、使わずに寝かせていた。なかなか完成を見なかったのが、今回の楽器編成にはめこんでみたらようやくくつろげる家が見つかったて感じで輝きだした。

「Kallfu」は最後に書いた曲。少なくとも弦が入るってことは自分の頭にあった。私はミュージシャンとしてハーモニーに重きを置く作曲をしているんだけど、私自身はギターしか持っていない。どうやってそれを実現したかって言うと、自分のハーモニックな部分を推し進めていくって感じの発想。今回はリソースとして弦が入ってくるってことがわかっていたから、ハーモニクスに関してはコードとしてはシンプルに3つしか使わないけど、テクスチャーを豊かにできたり、リズムの部分を工夫できたり、そういった余裕が生まるようにしようとした。だから、この編成のおかげでいつもの自分とは違うことができるかもって考え方になっていたんだと思う。

ツアーの移動中に電車に乗っていた時に、パソコン広げて、ガレージバンドについているキーボードをいじっていたら、ふっとメロディーが浮かんで、パッとレコーディングしようと思ったけど、「隣に知らない人が座ってるからどうしよう…」って感じでこっそりとメロディーを口ずさんで録音したところから始まった。隣の人が変な顔をしてこっちを見てたから、聴かれていたっぽいんんだけどね（笑）。

最初にそのくらい強いメロディーがパッと浮かんだので、そのあとはあまり理屈を考えずに書いていくことにした。この曲はセクションが二つあるんだけど、最初のセクションのコードはE7。その後の部分は自分がピアノなんて弾けないのにキーボードをいじりながらの作業だったから、こんな感じかなってフィーリングで作っていったら、ハーモニー的には理論にそぐわないFメジャーから、Dマイナー、それがE7に戻っていくっていう全然つながらないものになってしまった。でも、その時の勢いと、いいものが浮かんだってテンションで「いいよ、いいよ、気にせずやっちゃえ」って感じ書いたのがあのメロディーですね。

ノームと一緒にアレンジを考えているころに、私はよくスティーブ・ライヒ「Music for 18 Musicians」を聴いていたことがモチーフになった。そこからライヒの音楽にあるフレーズがオーヴァーラップしていく感じをやってみようって話になって、他の曲とは違うアプローチをしようとしたのが「Kallfu」。だから、ストリングスに関しても、他の曲ではハーモニクス的な構成になっているんだけど、ここではストリングスに違う役割を与えてみようって感じで使ってる。リズムがレイヤーをなしていて、一つ一つの楽器が違うタイミングで入っていったり、リズムのアクセントが違うところで入ってきたり、みたいものが全体として進んでいって、そこに推進力が生まれていくようなアレンジになっていると思う。

私もそう思います。今回の私とノームのコラボレーションに関しては、テクスチャーを意識しているから。私は「こんなテクスチャーが好き」とか「このメロディーを活かしたい」って感じで彼とやりとりしながらアレンジを作り上げていった。私はベース、ドラム、ピアノ、そして自分の歌とギターって編成のカルテットに長く親しんできたから、その編成で出来ることに関しては知識はある。でも、弦のカルテットが乗ってくることはとてもチャレンジングなことだった。例えば、一つ一つの楽器にどういう役割を持たしていけばいいのかを考えるのも、今までにはないことだったから。弦が4つとピアノとギターだとハーモニーをものすごく豊かにはできるんだけど、それをどう活かしていくのかってことを考えると、やり過ぎないことも重要。私がギターでメロディーを弾くにしてもそこに何が乗っているといいのかってところは曲ごとに遊べる部分でもあったので、やり過ぎないことはとにかく意識してましたね。

最も好きなのはビョーク『Vespertine』（※オーケストレーション/ストリングス・アレンジはヴィンス・メンドーサ）。もう発売から20年くらいたっているなんて信じられない。

あとはローラ・マヴーラ『Sing To The Moon』。すごくインスパイアリングだった。

エスペランサ・スポルディング『Chamber Music Society』（※アレンジはエスペランサとギル・ゴールドスタイン）。

チリ出身のクラウディア・アクーニャ『Wind From the South』はビリー・チャイルズのアレンジが素晴らしいからおススメ。

弦が入った音楽を作った作曲家や編曲家だったら、ドビュッシーとラヴェル。ノームが作ったこのアルバムの「Interlude」はその2人からの影響が大きいと思う。

ブラジル系だとアントニオ・ジョビンとエリス・レジーナのアルバムに「Modinha」（編曲César Camargo Mariano）って曲があって、ストリングスが入った瞬間に泣きたくなるような美しさだから聴いてみてほしい。

私はトーナリティーから色が見えることが多くて、Gメジャーは青、Dメジャーはオレンジって感じで色が必ず浮かんでしまう。ネクター・オーケストラの音楽はいつもオレンジっぽい。だからアートワークにはオレンジ色を入れなきゃって思ってた。不思議な話なんだけどね。

私は声によるハーモニーが好きだから、可能ならライブでも13人くらい連れてステージで歌ってもらいたいと思ってるけど、それは難しい。でも、スタジオでのレコーディングならそういう贅沢ができるので、ここでは自分の頭の中に鳴っている音をそのまま実現させようと思った。ステージではできないことを許可して、ディテールに凝ってみたのがこのアルバム。かなり細かいことにこだわることでそのパートがより活きてくることもあったし、「Awaken」のエンディングでは自分の中にああいう声がたくさん聴こえてきたから、頭の中で聴こえるままにそれを実際に形にしてみた。「Awaken」はコミューンのようにみんながみんなを受けて入れている幸せな状態を音で表現してる。

そうなんです。あれは洞穴の中みたいなところでいろんな安らかな声が鳴っているイメージですね。