LA PRESENCIA DEL AGUAEN EL ARTE CONTEMPORANEO JAPONES: LA OBRADEL ARTISTA IKEYA TOMOHIDE
『現代日本美術における水の存在 - 池谷友秀の作品』
アレハンドラ・ロドリゲス・クンチリョス サラゴサ大学
春の海や 終日のぼり 又下り
与謝蕪村（1715-1783）
自然の鑑賞とその芸術における表現は、日本において変わらぬテーマであり続けています。歴史を通じて、多くの日本人アーティストがこの題材に取り組んできました。特に水の様々な様相については、人間と水との共生を描いた場面を通じて表現されてきました。¹
この観点から、水は俳人たちにも霊感を与え、例えば谷口蕪村（摂津、1715年 - 京都、1783年）は、本論文の冒頭に掲げた句で水の動きを表現しています。同様に、他の芸術分野においても、この文化に深く根ざしたテーマを扱う日本人作家が数多く見られます。例えば、著名な葛飾北斎（江戸、1760年 - 江戸、1849年）は、『富嶽三十六景』シリーズの中で『神奈川沖浪裏』を制作しました。これはおそらく日本美術史上最も有名な作品の一つでしょう。船乗りたちの上に今にも砕けそうな波頭は、自然の力、その暴力性、そして人間による制御の不可能性を示しています。日本が環太平洋火山帯に位置し、地震活動の活発な地域にあることを考慮に入れる必要があります。
¹本研究論文において、アーティストの池谷友秀氏、そしてドイツのミヘコギャラリー（日本人作家の代理人）のディレクター田中恵子氏とミケーレ・ヴィトゥッチ氏の協力に心から感謝の意を表します。彼らの協力は本研究に不可欠でした。
そのため地震が非常に頻繁に発生し、その結果として津波が形成されます。このような理由から、この版画は日本の地質そのものの表現となり、同時に日本を象徴するものとなっています。
現代の日本社会は今でも自然との密接な関係性を保ち、その美的価値に対する特別な感性を示しています。このような関係性は現代アートにも表れており、水は依然としてインスピレーションの源であり、芸術作品制作の媒体、あるいは主題となっています。この点に注目すると、1945年以降のアート²において、多くのアーティストが作品制作過程で水を頻繁に使用し、または主要テーマとして扱っていることがわかります。その一例が元永定正（三重県、1922年 - 神戸、2011年）です。1956年、具体芸術グループ³の野外展で『Work Water』を発表しました。これは日本の芦屋の公園で開催されました（Munroe, 1994: 83）。着色された水を入れたビニールシートによるインスタレーションで、元々は公園の木々の間にハンモックのように吊るされていました。重力によってビニールは曲がり、水が下部に集まりました。
太陽光が水に当たることで、一日を通じて変化し、吊り下げられた宝石のような様相を呈しました。
現代アートシーンで高く評価されている別のアーティストで、海景を主要テーマとして水を作品の主役とする杉本博司（東京、1948年）がいます。1980年代から海と空を撮影し続け、『Seascapes』⁴は彼の最も有名なシリーズの一つとなっています。杉本は地球上の様々な場所からこれらの原初的な風景を捉え、禅の静けさと精神性を伝えています。これらは非常に概念的な写真で、自然の本質を捉えようとしています。
一方、1998年にアーティストの宮島達男（東京、1957年）は、日本の直島にある古い家（角屋）で『Sea of Time '98』⁵というインスタレーションを制作しました。主室の床を水で満たし、その中に1から9までを数えるLEDデバイスを設置しました。このプロジェクトには地域住民125人が参加し、それぞれのカウンターの速度を好きなように設定しました。この作品が伝えようとするメッセージは明確です。時間が私たち全てを結びつけるように、水も同様に私たちを結びつけているのです。
また、グエン・ハツシバ・ジュン（東京、1968年）は、水中の舞台で複数のビデオインスタレーションを制作しています。その例として、2003年の『Memorial Project Minamata: Neither Either Nor Neither - A Love Story』があります（Galán, 2008: 135）。この作品は、日本の水俣⁶の汚染を象徴的に表現し、地域の民話の重要性と進歩の結果を強調しています。同時に、この作品を含む他の作品でも、水は地理的な関係性を確立するための媒体として使用されています。
[脚注]
². 1945年は日本の歴史において、そして芸術においても転換点となりました。戦後期、日本美術はそれまでの芸術実践から転換し、時代を代表する作品が生み出されました。日本人作家の芸術表現は国際的な芸術動向と同等のものとなりました。
³. 具体美術協会は1954年に吉原治良（大阪、1905年 - 芦屋、1972年）によって設立され、彼の死をもって解散しました。関西地方（大阪、神戸、京都）で生まれたこの運動には、元永定正、嶋本昭三、村上三郎、白髪一雄、吉田稔郎、金山明、田中敦子など著名な作家が参加しました。新しい創作形式を追求し、パフォーマンス、ハプニング、インスタレーション、実験映画、具体音楽などを通じて、第二次世界大戦での敗戦によって特徴づけられる戦後の日本を反映しました（Munroe, 2013: 83）。
⁴. この作品は作家のウェブサイトで閲覧可能です：https://www.sugimotohiroshi.com/seascapes-1
⁵. この作品は作家のウェブサイトで閲覧可能です：https://tatsuomiyajima.com
⁶. 1950年代、化学工場が何年にもわたって、メチル水銀を含む何千もの廃棄物を海に投棄しました。メチル水銀は水銀の誘導体で、深刻な脳障害と神経系の異常を引き起こします（Tosas, 2010）。
アーティストは海を通じて、自身の日本とベトナムのルーツを結びつけています。
同様に、最初に言及した作品『神奈川沖浪裏』を思い起こさせる作品として、池田学（佐賀県、1973年）は2008年に『Foretoken』を制作しました（Ikeda, 2008: 30）。時折日本を襲う大波にインスピレーションを得た作品です。2011年の東北地震を予見するような作品で、水がその行く手にある全てを押し流す様子を描いています。ここでも、日本における水の重要性が芸術作品に明確に表れています。
波の地、神奈川に話を戻すと、本研究で取り上げる日本人アーティスト、池谷友秀⁷について述べなければなりません。1974年、関東平野の南西の端（東京と富士山の間）に位置し、海に囲まれた比較的小さなこの県で生まれた彼が、水や様々な環境現象と密接な関係を持つことは想像に難くありません。
多くの現代アーティストとは異なり、池谷は正規の美術教育は受けていません。しかし、幼少期からマンガ、アニメ⁸、日本映画に興味を持ち、その趣味は青年期にさらに深まりました。1990年代、彼は接客業に従事し、具体的には日本でイタリアンレストランで働いていました⁹。2001年、写真家としての道を選び、東京綜合写真専門学校¹⁰で学び始めました。
日本の現代写真は、土門拳、細江英公、森山大道、荒木経惟など、20世紀から21世紀にかけての偉大な写真家たちを輩出したことで、世界的に高い評価を受けています。そのため、多くの日本人がこのメディアに関心を持つのは当然のことでしょう。アーティストはこの分野でさらに研鑽を積み、次第にアービング・ペン、リチャード・アヴェドン、ニック・ナイト、ピーター・リンドバーグなど、自身の作品に影響を与えたと認識している西洋の作家たちを知るようになりました¹¹。
2001年、池谷は以前の仕事を辞め、写真家の高崎勝治のもとでCARATSスタジオに就職しました。高崎師（東京、1947年）は1976年に自身の写真スタジオを設立し、1990年10月に社名をCARATSに変更しました。高崎は主に京都や奈良といった日本の都市の美しさを捉える技術で世界的に知られています。また、日本とアメリカで商業写真のプロジェクトを多く手がけ、ハリウッドの国際的なアーティストとの仕事も依頼されている最も需要の高い作家の一人です¹²。高崎のもとで、池谷はカメラワークや照明など、主に技術面を磨きました。しかし1年後、ある出来事が池谷の職業人生を見直すきっかけとなりました。
アーティストがスキューバダイビングをしている時、水中カメラで海底を撮影する写真家を目にしました。池谷は同じことをしたいと感じましたが、ドキュメンタリーとしてではなく、水中で画像を捉え、それらから物語を作り出すことに興味を持ちました。あるインタビューで、この経験についてこう語っています：「偶然ダイビングに誘われ、その水中世界を見た時、すぐに魅了されました。様々な
[脚注]
⁷ アーティストのウェブサイト参照：http://tomohide-ikeya.com
⁸ アーティストは宮崎駿（風の谷のナウシカ）と高橋留美子（人魚の森）のアニメに特に影響を受けたと認めています。池谷友秀へのオンラインインタビューによる情報。
⁹ 同上
¹⁰ 東京綜合写真専門学校は1958年に中野（東京）で東京写真学校として設立されました。1960年代に日吉（横浜）に移転しました。
¹¹ 池谷友秀へのオンラインインタビューによる情報。
¹² メキシコ日本財団、高崎勝治：http://www.fjmex.org/v2/site/nota.php?id=237&sc=31
現象や生命体が水の中にのみ存在し、水と光の美しい演出が、強い興奮と感動を与えてくれました」（Ikeya, 2013）。この経験について熟考した後、フリーランスの写真家として活動を始めました。この時点から、池谷の作品は本研究にとって真に興味深いものとなります。
このように、アーティストは自身の文化に深く根付いているテーマ - 水と人間 - を作品に取り入れ、現代的な媒体と技法を通じて提示しています：これが彼の作品の中心軸となっています。彼の写真の中で、この二つの要素は完璧な共生関係の中で交差し、Wave、Moon、Breathという三つのシリーズの主役となっています。これらすべての作品で、池谷は人間と水との間の「コントロール」の概念とその喪失について問いかけ、人間のさまざまな反応を探求しています。しかし、いずれの作品でも、彼の作品を特徴づけるエレガントな美学と詩的な感覚は失われていません。
創作過程について、アーティストは以下のようなアプローチを取っています。まず、スケッチやその他の媒体を通じて、制作する作品の綿密な計画を立てます。ただし、空間で起こりうる変化には柔軟に対応します。作品の中には深い水槽に潜って制作されるものもあり、モデルの自然な反応や特定の状況下での反応は大きく異なる可能性があることを忘れてはいけません。これらの予期せぬ結果が、しばしば最も興味深いものとなります。したがって、池谷は常にアイデア、ビジョン、テーマから出発し、常に存在する偶然性とのバランスを取ろうとします。これらの写真を撮影する際、アーティストはできるだけ少ない機材で水中に入り、モデルと同じレベルに立ち、水中でより長く持ちこたえ、写真を撮影できるようにします。これが彼の芸術的アプローチであり、作品制作の方法です。コンセプトに関しては、水と人間の間に存在する繋がりを浮き彫りにしようとしています。
[アーティストステートメント]
「私は『コントロール』という概念を作品の中心に据える写真家です。
水は人間が決してコントロールできない『制御不能なもの』の一つです。
趣味として様々な国でスキューバダイビングをする中で、『水』について考える機会を多く持ちました。
水中から見る日差しの美しさ、水生生物の日常生活、そして一瞬だけ彼らの世界を覗き見る人間としての私...
人間は多くの装備を持ち、水中でのリスクに注意を払えば水をコントロールできると考えましたが、人間は決して水中で生きることはできません。そして、私たちは水なしでも生きることはできません。
水は命を与えるだけでなく、命を奪うこともあります。しかし、水は創造の母でも破壊の主でもなく、ただ『水』として存在しているだけなのです。
水は『ただの水』として存在しながらも、非常に哲学的な存在です。私は水にますます魅了され、それを表現したいという熱意を得ました。
これは私が写真家になった理由の一つであり、そのため私は水との関係を持つ作品を作り続けています。
私は水と人間の姿を通じて、写真によって『生への熱意』を表現しています。」¹³
これまで述べたように、アーティストは現在までに3つの主要なシリーズを制作しています。最初のシリーズ「Wave（波）」は、2007年のインターナショナル・フォトグラフィー・アワードの広告部門で1位を、2008年のパリ写真賞で入賞しました¹⁴。このシリーズの写真には、人間と水との闘いが描かれています。この場合、人間は海の流れを阻む障害物となっていますが、同時に自然の一部となることを望んでいます：抵抗と統合です。このシリーズは次のように解釈できるでしょう：人間は日々の生活で直面する問題に立ち向かおうとしますが、時にはそれらに圧倒されることもあります。これは社会の中で個人が経験する暴力のメタファーと言えるでしょう。また、これらの「波」や障害に対して抵抗するか諦めるかは、個人の強さや弱さ、精神状態、性別、年齢といった要因によって変わってきます（図1、2、3）。
その結果、衝撃的で緊張感のある画像が生まれています。石膏、アクリル絵具、ワニスなどの材料を使って画像にテクスチャーを加える後処理により、作品にさらなるドラマ性と力強さが付与されています。
一方、池谷は「Moon（月）」シリーズも制作しました。これは生と死を謳った作品です。このシリーズでも水は存在し、作品の創造的・詩的プロセスの一部となっています。月の満ち欠けは潮の干満に影響を与え、また地球上の生命の発展を促します。このシリーズには次のようなテキストが添えられています：「月に照らされた暗い夜には、生と死が混在している。／新しい命を受け取る身体の可能性」¹⁶
前のシリーズとは異なり、これらの写真は深い静寂を伝え、見る者に不安な感覚を引き起こします（図4）。
このシリーズでは、髪が重要な役割を果たしています。髪は人が命を失った後も長く残り続けます。このように、髪は死後も続く生命の象徴となっています（図5）。
また、日本のイマジネーションにおける髪の重要性や、モデルの髪を縛るという行為を無視することはできません（図6）。池谷は、自身の作品が神道の影響を強く受けていることを認めています。神道では、神聖なものを区切るために縄が使用されることはよく知られています。また、日本には縛り（しばり）という伝統的な縛りの芸術があります。この実践は、著名な日本人写真家、荒木経惟（東京、1940年）の作品にも見られ、彼は多くの場合、この日本の伝統的な縛りの芸術を用いてモデルを配置します。彼の影響は生と死を超えて池谷の作品に及んでいます。しかし、それでもなお、これらの画像は優雅さと繊細さを失うことはありません（図6）。このシリーズは2012年のインターナショナル・フォトグラフィー・アワードで受賞しています（People部門2位）。
3番目で最も新しいシリーズは「Breath（息）」です。このシリーズにより、アーティストは2008年のパリ写真賞、2009年のインターナショナル・フォトグラフィー・アワード（People部門1位とSpecial部門2位）、2010年のXto image award（Body in Nature部門1位）、2010年のPX3パリ写真賞（Nudes部門2位）、2014年のモスクワ国際フォトアワード¹⁷で受賞しています。これらの作品は、人間が自らコントロールする生命活動である呼吸に焦点を当てています（図7）。池谷は呼吸を可視化しようとし、水中でそれを実現しています。あるインタビューで、この作品の重要性についてこう説明しています：「呼吸は私たちにとって不可欠なものです。生涯を通じて繰り返され、死を止まる点として捉えています。通常、呼吸は目に見えず、私たちはそれを意識することはありません」¹⁸。無数の泡が私たちに呼吸を鮮明に見せてくれます（図7、8）。同様に、水中では人生における人間の態度が明らかになります：生きようと闘う人もいれば、直面する状況に身を任せる人もおり、ただ諦めてしまう人もいます（Mur, 2017）。インタビューでアーティストはこう語っています：「人は人生の中で様々な問題に直面します。たとえ自分の手で何かを妨げる障壁を打ち破ったとしても、それは私たち自身の根本的な限界を変えることはできません。これらの限界もまた、『生きる』ことの一部なのです」¹⁹。
これらの結果を得るために、アーティストは日本の舞台芸術、特に暗黒舞踏²⁰を活用しています。そのため、モデルの中には極端な状況を表現しようとするこの現代舞踊のダンサーもいます（Beville, 2010）。そのため、写真には極端な姿勢、引き裂かれるようなジェスチャー、本能的な反応が見られます。モデルたちは人間の最も深い恐怖を表出しようとしています。水中に沈められることで、被写体はこれらの状況を極限まで体験し、恐怖がより強く表面化します。しかし、人々に様々な反応が生じるにもかかわらず、彼の作品は形態と構図の両面で、巨大な官能性と美しさを失うことはありません（図9）。
また、これら3つのシリーズの他にも、池谷はファッション関連の写真作品も制作しており、2009年のインターナショナル・フォトグラフィー・アワードのAdvertising - Catalogue部門でNudeJewelry賞を受賞したり、TrusTrickなどの日本の音楽グループのミュージックビデオを制作したりしています。
現在、池谷友秀は東京のKogureギャラリー²¹とミュンヘンのMichekoギャラリー²²で作品を展示しています。どちらも日本の現代アーティストを専門としているギャラリーです（アーティストの90%以上が日本人）。特に後者は、21世紀の日本アートとヨーロッパのコレクターを結ぶ架け橋となることを基本理念としています。その目的は、日本国外のアート愛好家の認識や視覚的習慣を変え、日出ずる国の現代アートへの意識を高めることです²³。
結論
以上の考察から、日本人アーティスト池谷友秀は近年、写真作品を通じて現代アートの国際的な舞台で確固たる地位を築いていることがわかります。過去10年間で受賞した数々の賞や、日本、ベルリン、パリ、ニューヨークでのアート展示会やフェアへの参加がそれを証明しています。
また、新進アーティストであるにもかかわらず、彼の写真がその特異性と驚くべき質の高さで際立っていることも明らかである。この研究は、日本人アーティスト池谷友秀の壮大で不穏な作品に浸り、日本人写真家の作品を国際的なアートシーンに近づけることを目的としている。
