O OUTRO LADO DAS REDES (The Social Reckoning)

 
Foi curioso ver este filme na única sala de cinema que aceitou exibir o documentário sobre Jair Bolsonaro e que fica num bairro de maior tradição de direita e depois de extrema direita em Fortaleza, o bairro da Aldeota. Vi o filme também dias após a vitória de Lula nas eleições e depois de vencermos um monte de gigantes, entre eles a Meta, do bilionário Mark Zuckerberg, aqui vivido por Jeremy Strong, ator que havia brilhado na biografia de Donald Trump, O APRENDIZ, como o guru do atual presidente dos Estados Unidos. No papel de Zuckerberg, ele se apresenta bem mais vilanesco que Jesse Eisenberg, que interpretou sua persona mais jovem em A REDE SOCIAL (2010), de David Fincher.

O roteirista do filme de Fincher, Aaron Sorkin, inclusive, é quem assume a direção deste O OUTRO LADO DAS REDES (2026), que foca mais nas investigações de jornalistas e até de gente de dentro da Facebook nos anos de 2019 a 2021 sobre os danos mentais e sociais que a rede e suas afiliadas, a maior delas o Instagram, trazem aos usuários. Por mais que Sorkin esteja bem distante do talento na direção de Fincher, o forte dele é o roteiro, e é nele que o roteirista e eventual diretor se apoia, assim como nos ótimos atores. Sorkin já foi indicado quatro vezes ao Oscar de roteirista, tendo ganhado uma vez por A REDE SOCIAL e tendo um filme dirigido por ele indicado ao Oscar na categoria principal, OS 7 DE CHICAGO (2020).

Em O OUTRO LADO DAS REDES, Mikey Madison (ANORA) está ótima como uma engenheira do Facebook que fica impressionada ao ver um vídeo viralizado nas redes de uma amiga sua do passado, uma amiga de tendências progressistas e que se mostra assustadoramente no vídeo como uma pessoa histérica e agindo violentamente e de maneira racista com dois policiais rodoviários negros. Ela se pergunta o que fez essa mulher (Portia Doubleday, de MR. ROBOT) ter se tornado alguém com perfil claro de uma pessoa de extrema direita contaminada pelas redes.

Do outro lado da trama temos o jornalista vivido por Jeremy Allen White (O URSO) como alguém que não tem conta no Facebook e nem sabe usar um GPS, mas que se mostra muito preocupado com a queda de qualidade do jornalismo depois da queda da mídia impressa. O encontro às escondidas dos dois protagonistas dá ao filme um ar de TODOS OS HOMENS DO PRESIDENTE, de Alan J. Pakula, e nos faz sentir pertencentes a um outro momento histórico, que desta vez se apresenta com natureza de importância global.

Embora o ritmo do filme se torne um pouco engessado lá pelo meio, O OUTRO LADO DAS REDES mantém o interesse até o fim e talvez seja o melhor dos quatro títulos dirigidos por Sorkin. A narrativa de idas e voltas no tempo funciona quase sempre bem e todas as cenas que trazem Mikey Madison e Jeremy Allen White juntos são boas. Há um ar de thriller de conspiração setentista, mas com uma maior rapidez na condução narrativa.

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O DIABO VESTE PRADA 2 (The Devil Wears Prada 2)

Tenho uma relação de certa antipatia com o mundo da moda. Não a moda no sentido mais amplo, mas essa moda ditada pelo capitalismo, por essas marcas milionárias que fazem questão de se destacarem como exclusividade da elite financeira global, dessa moda que forma mais seres humanos superficiais do que dotados de conhecimento sobre a beleza, que têm o intuito de separar os ricos dos pobres. Porém, sei o quanto sou leigo no assunto, e por isso tento entender o fenômeno de filmes como esse. Só os primeiros três dias da franquia já ultrapassaram a bilheteria do original de 2006, e acho que não é só uma questão de nostalgia ou apego aos personagens, embora exista, sim, esse elemento. Na sessão de O DIABO VESTE PRADA 2 (2026|) em que estivemos, a sala estava lotada e o público estava calado, respeitador, atento. Mas havia algo também no ar, que incomodava: esse silêncio também se devia a uma história anódina, a caminhos pouco inteligentes do enredo, para usar de eufemismo, a momentos de humor que não funcionaram. A própria reconstrução de Andy, a jornalista vivida por Anne Hathaway, parece trair o que a personagem acreditava, embora dinheiro seja algo que faça a pessoa pensar duas vezes antes de aceitar um emprego. Mas lembremos o quanto Andy era alguém pouco sintonizada com esse mundo da alta costura, e agora dá de presente para a amiga uma bolsa da Valentino. Talvez tenham escolhido um par romântico totalmente feio e desinteressante para ela para desligar um pouco do glamour, mas do jeito que fizeram foi algo quase inaceitável. Química zero. Quanto a sua relação com Miranda (Meryl Streep), parece um repeteco do primeiro filme, ainda que vejamos com mais frequência uma chefona mais fragilizada pela mudança de rumos do mercado corporativo. E talvez isso seja o melhor do filme, além da sempre simpática persona de Stanley Tucci. Já Emily Blunt acaba representando uma figura próxima a um Judas, um Brutus, mas que o filme tenta, mesmo assim, talvez para dar um viés mais suave, não julgá-la tanto quanto podia. Um acerto, talvez.

A DOCE COSTA LESTE (The Sweet East)

Uma espécie de Alice no País das Maravilhas ambientado nos tempos contemporâneos de novo avanço da extrema direita, este A DOCE COSTA LESTE (2023) deve muito de sua força ao carisma da jovem Talia Ryder, de NUNCA, RARAMENTE, ÀS VEZES, SEMPRE. Aliás, eu diria que este é o verdadeiro cartão de visitas da atriz, já que ela está o tempo todo em cena e se apresenta tão magnética quanto sedutora. O filme brinca com gêneros ao longo da trajetória da jovem heroína, que, desconfortável com uma viagem com os amigos do namorado, acaba saindo do lugar e conhecendo um grupo de antifas radicais, para depois ser recebida por um neonazista. O tom surrealista se intensifica com a fotografia “estourada”, originalmente filmada em 16 mm, e gerando uns grãos bonitos. A cena do ataque no set de filmagens me pegou de surpresa e intensifica o ritmo na mesma medida que torna a protagonista mais rica e ousada.

NOSSO SEGREDO

Vendo NOSSO SEGREDO (2026), estreia em longa-metragem de Grace Passô, lembrei-me com frequência de um dos filmes de horror mais interessantes e subestimados do ano passado, A MULHEER NO JARDIM, de Jaume Collet-Serra, que trata de uma família negra vivendo o luto, mas também trata de depressão, num registro psicologicamente bem pesado. É possível estabelecer paralelos entre os dois filmes, mas claramente Passô tem uma intenção menor e mais sutil (ou tardia dentro da trama) do uso do horror. No entanto, é possível sentir a inquietude e o mal-estar daquela família, que parece não estar sabendo lidar muito bem com a perda recente do pai. São vários personagens e nem todos recebem o mesmo peso, a mesma força. Quem acaba ganhando algo mais próximo de um protagonismo é a criança, que parece estar arrumando uma desculpa para não ir para a escola e ficar em casa. Baseado num peça de sua autoria, Passô revisita um texto antigo e transforma em cinema o que antes era pensado para os palcos. Não dá para dizer que falhou, embora não simpatize tanto com a conclusão. O filme tem uma atmosfera de peso no ar crescente no ar, acentuada pela trilha sonora de Amaro Freitas. Filme visto em sessão lotada com a presença da diretora no Cinema do Dragão para conversar com a plateia.

CARNE

 
Eis um exemplo de filme que muito dificilmente seria feito nos dias de hoje. Pra mim, é ousado do ponto de vista do grafismo, da nudez, do quanto explora o corpo feminino em toda sua volúpia já na década de 1960. Aqui no Brasil, se formos comparar, o movimento para um erotismo mais gráfico foi um processo mais gradual, só atingindo seu ápice na década de 1980. Embora a primeira nudez frontal feminina tenha sido em 1962, com OS CAFAJESTES, de Ruy Guerra, só a partir da década seguinte que a nudez se tornou mais presente de maneira mais constante. No cinema argentino, a primeira cena de nudez frontal aconteceu em 1957, num filme de Armando Bó, protagonizado por Isabel Sarli. O filme se chama TROVÃO ENTRE AS FOLHAS. Trata-se da mesma dupla de CARNE (1968).

Hoje em dia muito se fala e se condena o chamado male gaze, e aqui vemos um exemplar muito típico desse olhar masculino, por mais que apresente a mulher como vítima dos homens, apresentados em sua maioria como abusadores e perversos, enquanto a mulher é uma espécie de heroína da história, ainda que seja uma heroína um tanto passiva às ações dos criminosos. De certa maneira, ter essa consciência desse male gaze ao mostrar um filme sobre abuso sexual não deixa de causar sentimentos mistos, uma vez que há, sim, um interesse do espectador pela nudez e pelo erotismo. 

CARNE é uma das várias parcerias do diretor Armando Bó com a atriz Isabel Sarli, Miss Argentina 1955, que ingressou no cinema exploitation graças principalmente a seu belíssimo corpo, que em CARNE já é apresentado logo de início sem roupas enquanto o personagem do namorado, vivido por Victor Bó, pinta um quadro de seu corpo nu. Ele tem o desejo de ser um pintor reconhecido e a vê como sua musa. Uma curiosidade que compartilho: Victor Bó é filho de Armando Bó e pai de Armando Bó Jr., roteirista vencedor do Oscar por BIRDMAN OU (A INESPERADA VIRTUDE DA IGNORÂNCIA).

Na trama de CARNE, Isabel Sarli é Delicia (olha só o nome da personagem!), uma mulher carinhosa e satisfeita com seu namorado. Ambos trabalham num frigorífico, um local onde grandes pedaços de carne bovina ficam expostos por todos os lados. Eles esperam estar melhores de vida, financeiramente, para se casar. O pai de Delicia, porém, acredita que eles deveriam se casar logo, não esperarem tanto assim, pois é possível serem feliz com pouco.

Enquanto isso, Delicia é abordada por um colega de trabalho no caminho. Ela sofre estupro, mas teme contar para o namorado ou para qualquer pessoa. E isso acaba por acarretar novos ataques desse homem, culminando nas tenebrosas cenas envolvendo um caminhão com vários homens fazendo fila para se aproveitar do corpo da mulher, raptada. O filme funciona como documentário sobre a masculinidade agressiva e maldosa de uma época, além da maneira como se costumava apresentar um personagem homossexual. Há uma dificuldade em evitar uma caricatura que funcionaria como gag para o público hétero da época, embora haja também uma tentativa de compreender a situação daquele homem, que é obrigado a esconder suas preferências sexuais naquela sociedade. Do ponto de vista formal, há a curiosidade de a fotografia em cores se revezar com fotografias em dois tons (às vezes azul, às vezes vermelho), que surgiam principalmente nos instantes de maior tensão.

Conta-se que Armando Bó e Isabel Sarli nunca se casaram, mas mantiveram um relacionamento longo e apaixonado, apesar de Bó ser formalmente casado com outra mulher e nunca ter se separado. No dia do velório do cineasta estavam presentes no caixão tanto a esposa quanto a atriz. Isabel é possivelmente o maior símbolo sexual do cinema argentino e a paixão de cineasta e atriz se tornou célebre, além de ter rendido cerca de 28 colaborações, em filmes como FUEGO (1969) e FIEBRE (1971). Confesso que fiquei curioso para ver outras obras do realizador e sua musa.

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VERITY

Depois de ter visto um filme tão pretensioso como DIGGER, não deixa de ser um alívio ver um suspense despretensioso estilo “Supercine”, por mais buracos que tenha em sua trama ou por mais clichês apresente, inclusive para assustar os espectadores. É também muito bom ver duas belas e carismáticas atrizes pela primeira vez juntas, Dakota Johnson e Anne Hathaway, esta última recebendo o prêmio trabalhador do ano pela quantidade de títulos seus em cartaz. VERITY (2026) faria uma bela sessão dupla com A EMPREGADA, outro thriller com algum apelo erótico que remete um pouco aos anos 1990. Na trama, Johnson é uma escritora pouco conhecida, mas com talento, que é convidada a finalizar o romance de uma escritora de best-sellers que se encontra imobilizada após um acidente (Hathaway). No meio disso tudo, surge um interesse amoroso com o marido da escritora famosa, vivido por Josh Hartnett. Ou seja, há aqui alguns elementos em comum deste filme de Michael Showalter e A EMPREGADA. Vale dizer que Showalter tem uma carreira de filmes água com açúcar. Seu trabalho mais famoso até então era OS OLHOS DE TAMMY FAYE (2021), que rendeu um Oscar a Jessica Chastain. Não deixa de ser algo digno de nota. Em VERITY ele parece querer que vejamos o filme com certa autoconsciência que o torna divertido para quem embarcar na proposta.

ROSEBUSH PRUNING

É até possível que se este filme fosse dirigido por Yorgos Lanthimos o resultado teria saído melhor. Não porque o cineasta grego seja melhor que o nosso Karim Aïnouz, mas porque o roteiro que ele topou dirigir, de autoria de Efthimis Filippou, colaborador habitual de Lanthimos, acabou resultando num vale tudo para chocar as plateias. Baseado (creio que muito pouco) em DE PUNHOS CERRADOS, de Marco Bellocchio, este ROSEBUSH PRUNING (2026) tem a vantagem de contar com um elenco de primeira grandeza. E acredito que isso pode ter seduzido Aïnouz. Na trama, família milionária que mora numa cidade litorânea da Espanha vai se apresentando como um tanto estranha. E eu não tenho problema nenhum com filmes apelativos (geralmente gosto deles), mas aqui a apelação não funciona. Não choca de fato. Talvez porque o diretor tenha preferido suavizar as imagens e até seus personagens, por mais canalhas ou malignos que sejam. A fotografia belíssima de Hélène Louvart (A VIDA INVISÍVEL, 2019) contribui para que essa beleza plástica seja um atrativo para os olhos, assim como a presença dos atores e atrizes jovens. O que eu achei uma pena foi ver um ator veterano do calibre de Tracy Letts topando participar desse projeto. De todo modo, não deixa de ser um filme que vale a espiada. Até porque tem sido divisivo. Ou seja, tem gente boa o defendendo.

O ANIVERSÁRIO (Anniversary)

A gente já vive numa distopia. Mas é sempre possível ver o quão longe podem chegar regimes totalitários sem precisar remeter tanto a George Orwell. O ANIVERSÁRIO (2025) é um filme que talvez não fosse tão interessante se apresentado 20 anos atrás, por exemplo. Vê-lo nos dias de hoje e não fazer associações imediatas a Donald Trump e outros líderes de extrema direita é uma tarefa quase impossível. O diretor polonês Jan Komasa (BOM GAROTO, 2025) conta a história de uma ideia perigosa, que vira um livro best-seller, que vira um projeto de governo antidemocrático. Mas faz isso a partir de tensões familiares, algo muito familiar, por assim dizer, nos dias atuais (neste momento que escrevo estamos nas tensões de um segundo turno para presidente da república). A história começa no aniversário de casamento do casal Ellen e Paul Taylor, vividos por Diane Lane e Kyle Chandler. Seus filhos já são adultos, mas jovens que seguem diferentes caminhos. Um dos filhos (Dylan O’Brien) está apreensivo em apresentar a nova namorada para a mãe. Depois veremos que essa namorada (Phoebe Dynevor) já foi aluna de Ellen, uma moça que havia apresentado ideias muito perigosas e antidemocráticas. O filme explora as relações familiares e tem o mérito de apresentar cada membro da família com cuidado e carinho. O personagem de O’Brien reúne qualidades do típico fascista, como a frustração por não ser suficientemente bom como escritor e por isso se vítima, ter intolerância à ambiguidade, especialmente quando está em situação de poder, deseja punir os “desviantes”, inclusive pessoas de outra etnia; e apresenta traços de agressividade e sadismo. Sua esposa, a idealizadora, por sua vez se esconde sob uma personalidade aparentemente delicada. O ANIVERSÁRIO é uma das boas surpresas do ano e chega num momento de urgência para o mundo.

MORTE E VIDA MADALENA

 
Quanta diferença ver num dia SE EU FOSSE VOCÊ 3 e no outro rever MORTE E VIDA MADALENA (2025). Não se trata apenas de um dos filmes parecer vir de um esquema industrial e o outro ser um trabalho mais artesanal: há um abismo imenso do ponto de vista formal. Guto Parente é um grande cineasta e isso se percebe em cada enquadramento, em cada movimento de câmera, seja uma panorâmica, sejam as aproximações estranhas para o rosto da protagonista Madalena (Noá Bonoba, ELUSÃO).

MORTE E VIDA MADALENA é o 8½ cearense, é o A NOITE AMERICANA cearense. Inclusive, o filme de Fellini é citado explicitamente. Guto Parente tem deixado homenagens a seus heróis do cinema em seus trabalhos. No anterior ESTRANHO CAMINHO (2023), a menção a PICKPOCKET, de Robert Bresson, é mais ou menos explícita. O humor em MORTE E VIDA MADALENA é muito próprio, e muitas vezes pode se misturar com os sentimentos de dor e aflição de seus personagens. E esses sentimentos podem se misturar com a alegria, como na cena em que o grupo de filmagens canta junto “Porto Solidão”, de Jessé, num karaokê.

O humor aparece especialmente na presença de dois ótimos atores: o paraibano Tavinho Teixeira, no papel de um ator meio pirado que ganha a chance de dirigir o filme, e o baiano Marcus Curvelo, no papel de ex-marido de Madalena e diretor do filme – até determinado momento, pelo menos. Lembrando que tanto Teixeira quanto Curvelo são também cineastas de mão cheia, e sabem lidar com o humor com propriedade. Curvelo é mais conhecido por seus próprios e geniais trabalhos e é muito bom vê-lo se juntar à trupe de Parente. O senso de humor do filme é muito próprio e muitas vezes nos pegando rindo por causa de Tavinho Teixeira, que faz um ator que tem a oportunidade de ser diretor por alguns dias e faz muitas presepadas. O que dizer da filmagem interrompida por um paredão tocando forró na praça ao lado?

Uma das coisas que chama a atenção no filme é a textura de suas imagens. Apesar de ter sido realizado em formato digital, o diretor de fotografia Ivo Lopes Araújo cria um visual sujo que simula filmes antigos em película, inclusive com a utilização deliberada de ruídos (de som e de imagem).

Na trama, Noá Bonoba é Madalena, uma produtora de cinema que procura materializar o projeto de um filme de ficção científica imaginado pelo pai recentemente falecido. Há a estranheza de ter aqui uma atriz trans no papel de uma mulher cis grávida, mas gosto da provocação. Madalena ainda vive o luto do pai e produz o filme numa cidadezinha do litoral do Ceará com uma equipe pequena. Pequena, mas carente do dinheiro, que o banco demora a liberar. Enquanto isso, Madalena sofre com as reclamações de parte da equipe, com o sumiço do diretor, com as presepadas de um dos atores, com o perigo de uma arma real no set. Há ainda lembranças traumáticas da infância, que surgem como alucinações, e isso acaba por aproximar mais este filme com ESTRANHO CAMINHO. E aí vemos o quanto Parente tem essa relação forte e interessante com o cinema de gênero. Já mostrou seu carinho pelos filmes de horror, fantasia e ficção científica em alguns belos exemplares: A MISTERIOSA MORTE DE PÉROLA (2014), O ESTRANHO CASO DE EZEQUIEL (2016) e o delicioso O CLUBE DOS CANIBAIS (2018).

Guto Parente é um diretor que trabalhou muito em esquema de colaboração, seja junto com o coletivo Alumbramento, seja em parceria com outros cineastas, sendo o mais recorrente Pedro Diógenes, com quem ele assinou INFERNINHO (2018), um de seus mais celebrados títulos. E o esquema colaborativo é o coração de MORTE E VIDA MADALENA (2025), que trata do amor pelo fazer cinema.

É também muito bonito ver a paixão do diretor pela realização fílmica nas cenas nos sets, até no que concerne às dificuldades financeiras, e ele faz isso com muito interesse em manter e explicitar o nosso sotaque cearense, deixando tudo mais autêntico e agradavelmente estranho e familiar. Diria que é um dos melhores filmes brasileiros lançados neste ano. De Parente, meu preferido ainda é o delicioso O CLUBE DOS CANIBAIS, mas este novo só cresce à medida que penso nele.

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SE EU FOSSE VOCÊ 3

Na época do primeiro SE EU FOSSE VOCÊ (2006) eu nem quis ver no cinema, por puro preconceito. Depois vi e acabei gostando e admirando o trabalho de Daniel Filho na direção. Infelizmente este novo filme não conta com sua direção e ainda por cima só recicla a ideia dos anteriores. Não que se esperasse algo diferente. O que há de diferente aqui é passar o bastão de protagonismo para Cleo Pires e Rafael Infante, que trocam de corpos e vivem altas confusões. Infante é especialista em comédia e o filme acaba usando isso a seu favor, embora o tipo de humor seja um tanto ultrapassado, trabalhando os velhos estereótipos de masculinidade e feminilidade. Lembro que no início de minha cinefilia assisti a um filme de troca de corpos de gêneros diferentes que deve ter sido o que inspirou a “trilogia” brasileira. Trata-se de SWITCH – TROCARAM MEU SEXO, de Blake Edwards, um mestre da comédia. Dos exemplares mais recentes, acho bem divertido FREAKY – NO CORPO DE UM ASSASSINO, de Christopher Landon. Quanto ao novo SE EU FOSSE VOCÊ 3 (2026), dirigido por Anita Barbosa, é tão anódino que não chega a incomodar. Mesmo acreditando que há espaço para todo mundo, a comédia brasileira no cinema precisa se renovar.

NEM TODA HISTÓRIA DE AMOR ACABA EM MORTE

A ideia da gente era ver VIRTUOSAS, de Cíntia Domit Bittar, mas o filme só seria exibido no dia seguinte - com a confusão/correria dos dias atuais não prestei muita atenção. Ao chegarmos no Cinema do Dragão, estava sendo exibido no mesmo horário um filme pequeno, e, para nossa surpresa, muito simpático, além de ter um cuidado formal todo próprio e um tipo de dramaturgia que foge do naturalismo das telenovelas e que nem sempre, claro, é sinal de qualidade. NEM TODA HISTÓRIA DE AMOR ACABA EM MORTE (2025), de Bruno Costa, já causa estranheza de início, quando vemos que todo o filme é pensado para ser exibido para a acessibilidade de surdos, tanto com profissionais de libras nos cantos das telas, quanto legendas. Uma vez que percebemos a presença de uma personagem surda na trama, uma das três protagonistas, tudo passa a fazer sentido e fica muito mais interessante e mais fácil de abraçar a proposta. Na trama, Sol (Chiris Gomes), professora da educação infantil, dá fim ao casamento com Miguel (Octavio Camargo). Ela percebe que seu casamento acabou. Acaba conhecendo Lola (Gabriela Grigolom), mãe de uma aluna de Sol, surda, lésbica e artista performática. O interessante é que a história não abandona Miguel para se concentrar apenas nas duas mulheres, até porque ele é um personagem interessante como homem falido que depois do fim do casamento também procura mudar de vida. O filme tem momentos de humor bem eficientes e a locação em Curitiba também traz algo de diferente para os lugares a que estamos habituados. Bom filme que surge na Semana do Surdo, no chamado Setembro Azul, e o Cinema do Dragão tem trazido programações para esse movimento de inclusão social tão importante.

MINHA MELHOR AMIGA

Susana Garcia está fazendo um baita sucesso de público com este MINHA MELHOR AMIGA (2026). A diretora já havia conseguido êxitos gigantes de bilheteria com MINHA MÃE É UMA PEÇA 3 (2019) e MINHA IRMÃ E EU (2023). Então, podem até falar mal de seus filmes (eu acho todos um barato), mas não de sua capacidade de unir tino comercial com o talento de atores para a comédia. A parceria que ela fez com Mônica Martelli e Ingrid Guimarães, desta vez juntas, foi bem acertada e ainda mira num público 50+, um público hoje em dia bem presente nas salas de cinema, e que foi deixado de lado com frequência nas produções que miram o sucesso popular. O Brasil está envelhecendo, mas talvez esteja envelhecendo bem, em comparação com o Brasil de gerações passadas. Hoje é mais possível fazer um filme sobre duas mulheres da faixa dos 50 anos que resolvem viajar juntas para Portugal, paquerar, transar, uma vez que estão frustradas com seus momentos atuais de suas vidas (profissional, afetiva). A química das duas atrizes funciona muito bem e só não ri quem está de mal com a vida. Não sei se gosto tanto da parte dramática do filme, mas faz parte, é do jogo certo ar cafona nas comédias mais populares, e é possível relevar isso. Até porque o filme tem se comunicado muito bem com um grande público, principalmente o feminino e adulto. Ajuda falar com bom humor das alterações no corpo da mulher na perimenopausa. A cena do xixi ao som de David Bowie é bem engraçada. Além do mais, assim como em MINHA IRMÃ E EU, a fórmula do road movie com mulheres fazendo presepadas funciona mais uma vez. O filme ainda tem o mérito de criar uma liga boa para unir as esquetes, ou seja, as cenas de humor. A cena do check-in num hotel da Espanha é uma de minhas favoritas, talvez a que mais me arrancou gargalhadas. Ingrid Guimarães tentando falar espanhol é impagável. Além do mais, ainda é possível curtir as paisagens dos países da Península Ibérica, deixando na gente aquele gostinho de querer viajar também. E, como bom road movie, este também tem a função de mostrar a transformação da vida de suas personagens.

DIGGER

 
Ainda não entendo a poética de Iñárritu. Nos primeiros filmes, a parceria com o roteirista Guillermo Arriaga fazia com que seus trabalhos tendessem a ser filmes sobre histórias cruzadas. Com a briga que durou décadas entre os dois, pudemos ver que o cineasta podia se apresentar de outra maneira, a partir de BIUTIFUL (2010). Depois ele dirigiria o que talvez seja o seu melhor trabalho, BIRDMAN OU (A INESPERADA VIRTUDE DA IGNORÂNCIA) (2014) e depois faria o filme que daria o Oscar a Leonardo Di Caprio, o épico O REGRESSO (2015).

DIGGER (2026) é um filme que se aproxima mais de BIRDMAN, o que, de certa forma, me atrai. Mas sinto que minha relação com o filme poderia ter sido menos observacional, menos apática, melhor dizendo. Valorizo um diretor trabalhar em Hollywood e fazer um personagem que é a cara de Donald Trump e da estética tosca que o trumpismo trouxe. É também um filme que explicita o quanto a política estadunidense e de outros países alinhados com a extrema direita nega os problemas climáticos, preferindo extrair o máximo possível de petróleo, sem se importar com os riscos.

Gosto do Tom Cruise, e gosto de vê-lo dando um tempo novamente na carreira de astro de ação e voltando a buscar um papel oscarizável e trabalhando com um cineasta autoral. E se Tom Cruise uma vez já se esquivou de comentar sobre política, estar no elenco deste filme pode colocá-lo junto ao time de astros mais progressistas, por assim dizer. Se bem que, como diz o personagem de Jesse Plemons em determinado momento, o ator que interpreta na peça o velho branco que vive rodeado pelo alto escalão do poder executivo dos Estados Unidos traz algo de dignidade para aquele personagem, como se o entendesse. Não deixa de ser algo interessante, trazer algo de dúbio para o personagem, mas confesso que a mim é um personagem que nem fede nem cheira. E por isso não comprei a proposta e o resultado do filme.

A ambição de Iñárritu ao optar por um projeto grande como este, filmado em VistaVision, como O BRUTALISTA foi, e com Tom Cruise encabeçando um ótimo elenco, pode parecer autoindulgência, ainda mais quando não se compra a proposta, não se ri das piadas, não se acha o humor tão bom assim. Na sessão que estive, numa sala IMAX com poucas pessoas, havia uns dois gatos pingados que riam, e sei que não se trata aqui de uma comédia tradicional, e também sei que há piadas que podem ser “internas” para quem não está a par dos noticiários, não acompanha política e as questões climáticas; mas nem a brincadeira metalinguística me comprou, embora eu admire as mudanças de tom de Tom Cruise quando interpreta os dois personagens. O homem é bom, de fato. Enfim, acredito que DIGGER deva ser visto, sim, até porque cada pessoa assiste a um filme diferente. E que bom.

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A ESPOSA DE TCHAIKOVSKI (Zhena Chaikovskogo)

Só soube hoje que esta trágica história de amor não correspondido entre o gênio da música Tchaikovsky e uma mulher profunda e doentiamente apaixonada por ele ganhou também um filme dirigido por Ken Russell em 1971, o mesmo ano que ele dirigiu a obra-prima OS DEMÔNIOS. Imagino que a versão de Russell deva focar mais no ponto de vista do músico. Kirill Serebrennikov, diretor do ótimo VERÃO (2018), conta aqui a triste história de Antonina Miliukova, vivida com brilho por Alyona Mikhaylova. A jovem se apaixona pelo músico e tem como projeto de vida convencê-lo de que ela é a mulher com quem ele deve se casar. Ela não sabia que o compositor tinha preferência sexual por homens e o filme não deixa explícito no início. Aos poucos, o casamento sem sexo acaba se tornando um tormento maior até para o próprio compositor, que não conseguia ter relações com a esposa. Ela, por sua vez, se humilha até não poder mais, embora sua humilhação possa também ser confundida com coragem e ousadia. O trabalho de direção é caprichado e muitas imagens parecem pinturas da época, com um uso lindíssimo e muito bem-aproveitado da janela scope. O filme foi proibido na Rússia, por mostrar um herói do país como ele realmente era: um homem gay, além de destacar também o submundo dos “invertidos” de maneira ousada para uma produção russa. Há também um olhar queer interessante e um olhar sensível também à viagem aos infernos dessa mulher.

ELA E EU

Belíssimo elenco lidando com uma situação complexa neste ELA E EU (2021), de Gustavo Rosa de Moura. Até achei que a história teria sido adaptação de algum romance, mas, na verdade, a ideia veio de três mulheres: Luisa Arraes, Andrea Beltrão e Larissa Kurata, sendo que apenas essa última é mais conhecida como roteirista. Fiquei imaginando como pode ter sido criado o roteiro, com várias ideias surgindo a partir das situações. A principal situação: mulher (Andrea Beltrão) entra em coma por 20 anos depois de dar a luz. Quando acorda do coma, ainda vive na mesma casa com o marido, mas agora esse homem vive com outra mulher. E ela vai acordando e melhorando aos poucos, como alguém que se recupera de um AVC. Alguns temas familiares são tocados, como o namoro da personagem de Jéssica Ellen, ou a relação de afeto da família com a empregada doméstica (Karine Teles), que inicia uma amizade mais próxima com a personagem de Beltrão. Por outro lado, é interessante também ver como a relação do casal Eduardo Moscovis-Mariana Lima se complica depois que a esposa comatosa acorda e deixa de ser aquela figura quase vegetal para ser uma pessoa participante, complexa e interessante.

MICHAEL

A primeira cinebiografia de Michael Jackson está fazendo um sucesso popular imenso. Salas lotadas desde os dias de pré-estreia. E a gente entende o motivo: pessoas de todas as idades gostam do Rei do Pop. Este filme vai dos primeiros ensaios do pequeno Michael, ainda criança com seus irmãos do Jackson 5, até o início da turnê de Bad (1987), o álbum que se seguiu ao estrondoso sucesso de Thriller (1982). MICHAEL (2026), o filme dirigido por Antoine Fuqua (DIA DE TREINAMENTO, 2001), foca especialmente na carreira do cantor, em sua criatividade, sua solidão, sua vontade de preservar o mistério de sua intimidade, e principalmente de seu embate com o pai, uma figura essencial para sua formação, mas pessoa que trouxe toxicidade, traumas que repercutiram na insegurança e no medo do cantor, que buscou ajuda para se livrar dessa figura paterna, mesmo com dificuldade. É interessante que já é o terceiro filme recente de cantores que vejo a figura paterna como figuras no mínimo complicadas: aconteceu em NOSSO SONHO e HOMEM COM H, mas nada tão danoso quanto a figura de Joe, vivido aqui por Colman Domingo. Sua presença é tão desagradável que basta ele sair de cena para o filme ficar mais leve, especialmente quando acompanhamos com prazer a música de Michael Jackson e sua genialidade. Destaque para quando vemos a construção de um projeto tão ambicioso quanto Thriller, que rendeu três ótimos videoclipes, um deles um curta-metragem dirigido por John Landis (UM LOBISOMEM AMERICANO EM LONDRES), uma homenagem de Michael a vários filmes de terror clássicos. Também achei muito curioso ver a ajuda que ele pede a membros de gangues, para compor o videoclipe de “Beat It”, um exemplo clássico, aliás, de representação de um cara durão, uma forma de esconder suas fragilidades e seu complexo de Peter Pan. Jaafar Jackson, sobrinho do cantor, está bem como o astro na fase adulta. Ele consegue passar tanto seu talento nas coreografias quanto os momentos de tristeza do personagem, especialmente quando ele se vê diante da dificuldade de sair de casa, mesmo já sendo um homem milionário e famoso, um exemplo clássico de prisão numa família disfuncional disfarçada de família feliz. A montagem é boa e mal sentimos o tempo passar. Poderia ser mais ambicioso como cinema, mas não creio que fosse essa a preocupação dos produtores e até da própria família do cantor, que, dizem, interferiu bastante no projeto. O resultado foi muito melhor do que eu imaginava.

O MORRO DOS VENTOS UIVANTES (Wuthering Heights)

 
Desde que vimos a versão de Emerald Fennell (2026) de O Morro dos Ventos Uivantes, de que gostamos muito, aliás, tenho buscado ver com a Giselle outras versões de adaptações do clássico romance de Emily Brontë para o cinema. Eu já tinha visto a versão de William Wyler (1939), que gostaria de rever, e a de Andrea Arnold (2011), de que gostei, mas que tenho pouca lembrança. Vendo esta adaptação de 1992 de Peter Kosminsky, estrelada por Juliette Binoche e Ralph Finnes, só valorizamos ainda mais o trabalho ousado e bem desenvolvido de Fennell. Tanto formalmente quanto no quanto a tensão sexual e a paixão dos protagonistas parece muito mais desenvolvida.

O MORRO DOS VENTOS UIVANTES de Kosminsky, ao tentar contar a história do romance incluindo a trama dos filhos de Heathcliff e Catherine numa duração inferior a duas horas, faz com que tudo pareça muito atropelado, como se tivesse jogado um monte de cenas na sala de montagem, e deixa de fora o coração da trama, que é o sentimento complexo entre os dois heróis, a paixão que não apenas transcende o plano físico, mas que, principalmente nesta versão, ganha um ar de maldição, de filme de horror. Até sei que há versões cinematográficas classificadas como terror, inclusive, que exploram muito mais os aspectos góticos e espirituais da trama do que este aqui, que eu diria que opta por enfatizar a personalidade mais sombria e perversa de Heathcliff.

Tanto Binoche quanto Fiennes são grandes atores, embora naquela época ainda não tenha mostrado o seu ápice, e por isso não diria que a falha do filme está nem mesmo na escolha deles para viver os personagens. Fiennes está melhor que Binoche, combina mais com o personagem. E na segunda parte da trama o ator é que parece segurar mais as pontas, mesmo quando parece não haver mais esperança para o filme. Uma vez que ele já assume seu aspecto vilanesco, só podemos aceitar, embora até para um vilão o resultado não é positivo, pois o personagem deveria ter mais tons de cinza.

Na trama, Catherine e Heathcliff são como dois irmãos, sendo ele uma espécie de cigano trazido ainda criança pelo patriarca para crescer com seus filhos na propriedade da família. Acontece que os jovens têm uma relação muito próxima. Nesta versão, a união dos dois não chega a ser bem trabalhada e por isso quando o filme mostra Catherine casada e Heathcliff buscando sua vingança, tudo parece muito solto, errado, frio. O sentimento deles parece inexistir, mesmo quando se usa trechos do próprio romance na boca dos personagens. Não deixa de ser interessante para quem quer ver adaptações da obra literária, mas me decepcionei mesmo sem esperar grande coisa.

+ TRÊS FILMES

MILK & SERIAL

É natural ficarmos interessados na obra de um diretor quando um de seus filmes nos chama muito a atenção. Curry Barker (junto com Kane Parsons, de BACKROOMS – UM NÃO-LUGAR) é o jovem cineasta-sensação do momento, graças ao imenso sucesso de OBSESSÃO (2025). Saber que ele tem outros trabalhos, não deixa de ser empolgante, sendo que um deles é este pequeno longa de pouco mais de uma hora lançado diretamente no YouTube. Barker já vinha de uma carreira de vários curta-metragens elogiados quando fez este filme perverso sobre um grupo de amigos que têm um canal de pegadinhas bem pesadas. Acontece que um desses amigos, o Milk do título, vivido pelo próprio Barker, é um serial killer. E talvez dizer isto seja um spoiler, mas há outras tantas surpresas ao longo do filme que o tornam bem particular. Tem essa coisa da câmera sempre ligada dos personagens que é muito conveniente e que é muito comum desses found footages. Mas Barker fez um found footage de terror quando a moda já havia passado e soube fazer algo fresco, novo. Há pelo menos uns três momentos de MILK & SERIAL (2024) que são bem impactantes e cruéis e muito coerentes com o que o realizador faria em OBSESSÃO, unido terror com humor. Todos os atores, excetuando um, não são profissionais, o que barateou os custos dessa produção, filmada apenas nos fins de semana.

HOKUM – O PESADELO DA BRUXA (Hokum)

Acabei perdendo HOKUM – O PESADELO DA BRUXA (2026) por causa de outro pesadelo muito pior que o das bruxas: o das cópias dubladas. Ver em casa não é a mesma coisa, e ainda acabo vendo “em fascículos”, mas é o que tem. Além do mais, não faz muito tempo que vi o filme anterior de Damian McCarthy, ODDITY – OBJETOS OBSCUROS (2024), em casa mesmo (esse não chegou a ser lançado nos cinemas brasileiros), e gostei bastante. Inclusive, por causa de ODDITY, minha expectativa por HOKUM era maior. Diferente do anterior, que prende a atenção desde o início, com personagens também fascinantes e bem desenvolvidos numa trama bastante sinistra, o novo filme tem um protagonista tão antipático quanto sem carisma (Adam Scott), que se vê enredado numa trama envolvendo uma suposta maldição de uma bruxa que habita o quarto de hóspedes de um hotel. O filme fica interessante mesmo lá pelo final, o que já nos deixa um tanto impacientes, mas pelo menos há uma redenção no final. Falo do filme, embora isso possa ser dito sobre o protagonista também.

FAÇA ELA VOLTAR (Bring Her Back)

Acho que o cinema de horror é talvez o gênero mais esponjoso no sentido de ser capaz de apreender, ainda que indiretamente, o sentimento do mundo. Não creio que seja uma coincidência FAÇA ELA VOLTAR (2025) ser um filme tão amargo, tão desesperançado, tanto quanto outros do mesmo ano, como A MULHER NO JARDIM, de Jaume Collet-Serra, e A HORA DO MAL, de Zach Gregger. (E cá pra nós, este ano de 2025 está muito estranho e pesado.) Os irmãos Danny e Michael Philippou saem de um registro mais próximo do cômico de FALE COMIGO (2022) e partem para algo muito mais sombrio. Sem falar no quanto é um filme-porrada. Não apenas metaforicamente falando: as cenas de pancada, de violência, são tão brutais que quase sentimos em nosso corpo também. Na trama, dois irmãos ainda menores são levados, após a morte do pai, para adoção. Quem os adota é uma mulher que mantém uma criança muito estranha dentro de uma casa caótica. E essa mulher é vivida por Sally Hawkins, muito lembrada por um papel de alguém excessivamente alegre (SIMPLESMENTE FELIZ, de Mike Leigh). Quanto aos dois irmãos, a jovem é cega e o irmão mais velho é protetor e está a poucos meses de atingir a maioridade e entrar com a guarda da irmã. Mas dentro da casa da nova "mãe" o clima de perturbação é crescente e o filme mais à frente não vai economizar em cenas ainda mais brutais que as do longa anterior da dupla. Isso, aliado ao fator sobrenatural, faz de FAÇA ELA VOLTAR um dos mais impressionantes exemplares do gênero dos últimos anos. Recomendo ver o filme sabendo o menos possível. Detalhe digno de nota: a trilha sonora (de Cornel Wilczek, o mesmo de JUNTOS) dá o tom de tragédia e faz com que uma personagem tão perturbadora e a grande vilã do filme ganhe algo de humano e de queda para os infernos da alma.

RINCÃO DE TORMENTAS / O PIOR DOS PECADOS (Brighton Rock)

 
Ouvi falar pela primeira vez de RINCÃO DE TORMENTAS (1948), também conhecido como O PIOR DOS PECADOS, através do podcast Filmes Clássicos, de uma série de lives em que os participantes brincavam de fazer top 10s de melhores de cada década, a partir dos anos 1920. Chamou-me a atenção um filme que não estava entre os mais manjados, escolhido por uma pessoa da turma. E este filme é justamente RINCÃO DE TORMENTAS, produção britânica que não estava no meu radar, mas que estava no meu acervo – o filme está presente no box Filme Noir Vol. 9, da Versátil Home Video. Como tenho uma cacetada de boxes dessa distribuidora, o que existe de pérola lançada é que me aguarda na estante não está no gibi.

Curiosamente, num dos extras do DVD o diretor da refilmagem PIOR DOS PECADOS, de 2010, Rowan Joffe, comenta que o filme dos irmãos Boulting (Roy Boulting aqui atua como produtor) é considerado por muitos como a maior obra-prima do cinema noir britânico, o que de certa forma me surpreendeu. O filme não comparece no top 50 do livro Film Noir, da Taschen, e nem é citado por Martin Scorsese em sua entrevista para a Sight & Sound de outubro de 2024, onde menciona uma série de produções marcantes do cinema britânico. De todo modo, a Versátil coloca o filme como o carro chefe do volume 9, com o rosto de Richard Attenborough na capa, com a marca da facada em seu rosto, que se tornaria uma cicatriz a macular o belo rosto do jovem gângster.

A minha geração conheceu Attenborough como o velhinho dono do Jurassic Park nos anos 1990. Portanto, não estava preparado para uma performance tão inspirada quanto essa, como Pinkie, líder de uma gangue pequena que pratica extorsão e deseja prevalecer sobre um gângster muito mais poderoso de Brighton. A aparência quase andrógina de Pinkie já chama atenção desde a primeira vez que aparece. O personagem gosta de ficar brincando com barbantes, o que acaba passando a impressão de que ele pode usar um barbante desses para asfixiar um desafeto.

RINCÃO DE TORMENTAS é um dos filmes mais cruéis que eu já vi, especialmente no que se refere à relação entre Pinkie e a garçonete Rose (Carol Marsh), representação perfeita da doçura, da vulnerabilidade e da carência afetiva, ao aceitar ter uma relação de namoro e casamento com um sujeito como Pinkie. A cena da cabine telefônica é de doer o coração, assim como outras cenas relacionadas (o bilhete que ela deixa para Pinkie após a noite de lua de mel, a conversa com a freira).

É também incrível o modo como esse personagem se autodenomina católico, mas é tão imbuído de maldade. Talvez seja um dos personagens mais cheios de maldade que eu vi recentemente. No entanto, é um personagem muito rico em sua construção, que deve muito ao trabalho de enquadramento e movimentação de câmera que enriquece e fortalece a brilhante atuação de Attenborough. Afinal, um dos maiores méritos de apresentar uma figura má é também deixar clara não apenas sua capacidade de fazer o mal, mas também sua covardia, como nas cenas que se sente acuado e tenta fugir. Nesse sentido, a personagem de Hermione Baddeley pode ser a representação da consciência de Pinky, a mulher que ele não tem coragem de enfrentar.

RINCÃO DE TORMENTAS é uma adaptação do romance de Graham Greene, que aqui aceitou ser também roteirista, o que, imagino, deve ter contribuído para a excelência da obra cinematográfica, que tem uma beleza plástica admirável. A linda fotografia em preto e branco é de Harry Waxman, que depois ficaria mais famoso pelo seu belo trabalho (em cores) para o clássico folk horror O HOMEM DE PALHA, de Robin Hardy.

+ TRÊS FILMES

OS OLHOS AZUIS DA BONECA DE VIDRO (Los Ojos Azules de la Muñeca Rota)

Na época do auge do giallo, na primeira metade dos anos 1970, outros países buscaram também fazer produções similares às italianas visando o mercado internacional. Muito provavelmente a Espanha foi o país que melhor sobre emular o espírito dos gialli italianos, e este OS OLHOS AZUIS DA BONECA DE VIDRO (1974), de Carlos Aured, traz até um título que se assemelha ao dos italianos. O diretor é companheiro de filmes de um dos maiores nomes do cinema de gênero da Espanha, Paul Naschy, nome internacional de Jacinto Molina, que aqui interpreta o protagonista, um forasteiro que chega a uma cidadezinha rural à procura de trabalho. Acaba conseguindo como um jardineiro e um faz-tudo de uma família de três irmãs solteiras. O filme, a princípio, me fez lembrar O ESTRANHO QUE NÓS AMAMOS, de Don Siegel, já que o sujeito é objeto de desejo das três irmãs solteironas. E ele não precisa esperar que elas insistam muito para ir para a cama com qualquer uma delas. Em paralelo, uma onda de assassinatos começa a acontecer, em que o assassino arranca os olhos geralmente azuis de suas vítimas. Acho que o filme cai um pouco lá perto do final, quando se torna um giallo mais convencional, mas até lá se apresenta como uma obra elegante e de cores bem bonitas. Há um apelo sensual interessante e gosto até da bagunça do final, para descobrir a identidade do assassino.Visto no box Giallo Vol. 9.

A SEMANA DO ASSASSINO (La Semana del Asesino)

Este filme é uma pérola do terror e do suspense que mereceria ser mais conhecida. Eis a importância de uma bela curadoria. No caso, a curadoria dos DVDs temáticos da Versátil. A SEMANA DO ASSASSINO (1972), de Eloy de la Iglesia, consta no box Obras-Primas do Terror – Horror Espanhol e é impressionante e envolvente. Somos apresentados ao drama, ou melhor, ao pesadelo de Marcos (Vicente Parra), um operário de um frigorífico que mata acidentalmente um motorista de táxi e depois passa a matar aqueles que são uma ameaça para que ela seja preso. Um dos destaques do filme é o seu aspecto visual cru, em especial a casa pobre onde Marcos vive, e que se tornaria um lugar terrível também para quem passasse por perto, já que o protagonista não é exatamente um expert em se livrar dos cadáveres. Um dos personagens cruciais para a trama é Néstor (Eusebio Poncela), um homem rico e homossexual que busca conversar com Marcos de vez em quando e o vigia com um binócolo do auto de seu apartamento luxuoso. É dele a frase que pode fazer com que nos sintamos um pouco solidários com o terror cotidiano vivido pelo personagem principal. A SEMANA DO ASSASSINO é um dos filmes de gênero que conseguiram nascer mesmo com a censura da época do franquismo.

ANTÁRTIDA

O que eu gosto em ANTÁRTIDA (2026), de Bruno Safadi, é o clima que frequentemente lembra o de O ENIGMA DE OUTRO MUNDO, de John Carpenter. Inclusive, o roteiro é de Dennison Ramalho, que bem que podia estar dirigindo, mas está atualmente mais envolvido em roteiros. E esta produção, feita nos estúdios da Rede Globo, não deixa de apresentar uma trama de mistério. Numa estação brasileira na Antártida, acontece um crime e os homens, principalmente, são os principais suspeitos. Trata-se de um whodunit que traz o tema do e3tupr0 como mote. Tem algo de dramaturgia televisiva da Globo que me incomoda um pouco, mas há um número considerável de ótimos atores que ajuda a manter o interesse pela narrativa do início ao fim. Há também o necessário uso de pistas falsas, e também certa coragem em colocar alguns personagens em situação de quase vilania, uma vez que bater em mulher é feio pra caramba. Gosto da ambientação no frio extremo e os efeitos são bem convincentes. Há um interesse bem claro de fazer um filme que trate de dois assuntos bem urgentes, a violência contra as mulheres e as mudanças climáticas, mas como o filme faz isso com uma vontade de deixar uma mensagem (no caso, duas mensagens), acabou me ganhando um pouco menos. De todo modo, é, sem dúvida, um filme que merece ser visto.

OASIS – DON’T LOOK BACK IN ANGER

 
Um dia desses estava dirigindo enquanto escutava “Hello”, do Oasis, ou talvez fosse “Roll with It” ou “Some Might Say”, enfim, uma dessas maravilhas barulhentas e cheias de sentimento da obra-prima (What’s the Story) Morning Glory? (1995), e o sentimento que tive de gratidão foi imenso por estar escutando aquela canção. E é impressionante que estamos falando de uma obra de arte condensada em cerca de 3 a 5 minutos de duração, aproximadamente. Talvez justamente por isso que eu valorize tanto esse formato de canção, que o próprio Noel, ao tocar nesse retorno aos palcos depois de um hiato de 15 anos por causa de uma briga com o irmão Liam, o próprio Noel se admira de ter composto essas canções. Ou seja, é como se elas viessem de outro lugar, como algo mágico. Eu costumo dizer que os músicos são muito mais “antenas” de seu espírito do tempo do que qualquer outro artista. E por isso mesmo eles acabam sofrendo mais quando esse espírito de época muda e eles não conseguem se mostrar mais tão bons quanto foram um dia.

Eu não era exatamente um fã do primeiro disco do Oasis, o ótimo Definitey Maybe (1994), mas é possível dizer que esses dois álbuns constituem o par de anos mais inspirado de Noel Gallager, o compositor por trás das canções. Confesso que depois de Be Here Now (1997), que considero “excessivamente produzido”, gordurosos e com um alargamento desnecessário do tamanho das faixas, por mais que haja melodias ótimas, fui me afastando e perdendo um pouco mais de interesse pela banda. Foi o disco que acabou afastou dos discos seguintes da banda.

Assistindo na quinta-feira passada a OASIS – DON’T LOOK BACK IN ANGER (2026) na sala IMAX, vejo pelo repertório apresentado no filme que a preferência dos irmãos Liam e Noel Gallagher para o setlist dos shows da reunião são desse período dos dois álbuns e seus lados B, presentes em The Masterplan (1998). Ou seja, eles de fato percebem que o auge criativo aconteceu nesses anos. Noel, inclusive, diz que depois que o guitarrista Paul “Bonehead” Arthurs saiu da banda em 1999, o grupo perdeu muito de sua essência sonora. O documentário foi dirigido por Dylan Southern e Will Lovelace, cineastas especializados em registros de bandas de rock – há documentários deles sobre LCD SoundSystem, Blur, a cena novaiorquina do início dos anos 2000.

O documentário, depois de dar um breve resumo sobre o impacto da banda antes da separação e o quanto essa separação foi traumática para a banda e para os fãs, começa com os tensos primeiros momentos dos ensaios, após os dois irmãos concordarem com uma reunião para uma turnê mundial. Nesse primeiro ensaio, vemos apenas Noel e a banda passando o som, e expectativa da chegada do irmão, que chega de maneira pouco amigável, embora se mostre disposto a deixar seus vocais. Percebe-se nesse momento uma relação que parece estar o tempo todo prestes a se quebrar novamente. A maior parte da narração do filme vem de Noel. É dele principalmente que temos uma visão do que acontece, inclusive no quanto ele se mostra um fã da performance do irmão. Muito engraçado quando ele fala de Liam equilibrando o pandeiro em sua cabeça, como se fosse a coisa mais cool do mundo.

Há muitas passagens emocionantes e muito disso vem, claro, da força da música deles, que é potencializada numa sala de cinema, ainda mais numa IMAX. Então, é assistir o tempo todo sentindo muitos arrepios e até algumas lágrimas. Embora muito do que o filme mostre seja a emocionante reconciliação dos dois irmãos, eu diria que o filme vai muito além disso. Até porque não são dois irmãos quaisquer. São as pessoas responsáveis pela alegria de milhões de pessoas do mundo inteiro. O fato de o filme mostrar as turnês na Europa, na América e na Ásia mostram o quão influentes e queridos esses rapazes eram/são. E eles não esperavam nada tão poderoso, não esperavam receber tanto amor, tanta energia. E eu diria que OASIS – DON’T LOOK BACK IN ANGER é um filme sobre a força do amor, sobre a energia e o poder da música, embora seja também sobre a reunião de dois irmãos que tiraram um peso enorme dos ombros ao voltarem a se falar, e de como eles conseguiram recuperar a trajetória da banda para um momento de alegria. Mal comparando, é como se Paul e John fizessem as pazes e os Beatles voltassem.

É lindo demais ver a quantidade de pessoas que lotam os estádios, e até espaços ao redor do estádio, como em Manchester, terra natal dos irmãos, e se emocionam cantando a plenos pulmões “Don’t look back”, “Wonderwall”, “Rock’n’Roll Star”, “Champagne Supernova”, “Some Might Say”, “Supersonic”, “Live Forever”. Aliás, essa última foi dedicada a Gary “Mani” Mounfield, baixista dos Stone Roses, amigo da banda e por quem eles tinham muito amor. Ao ouvir “Live Forever” pensamos também em nossa mortalidade, em nosso momento breve na Terra, mas por isso mesmo um momento tão especial e precioso.

Tenho um amigo que mora em Dublin, o Alex, que disse que foi o melhor show que ele viu na vida. Quando ele disse achei que poderia estar exagerando, já que viu tantos shows de bandas gigantes, maiores que o Oasis. Mas vendo o documentário eu passei a acreditar.

+ TRÊS FILMES

LULA

Uma pena que LULA (2024), de Oliver Stone e Rob Wilson, não tenha sido lançado mais cedo. Acabou caindo na rede por causa da exibição num streaming espanhol, mas já chega um pouco velho, já que a história vai só até as eleições (emocionantes) de 2022, que deram a vitória (apertada) a Luiz Inácio Lula da Silva. É legal ver a parceria de Oliver Stone, que bem que poderia já ter um desses seus documentários políticos sobre Lula, sendo ele, Lula, um líder muito icônico que outros presidentes de esquerda da América Latina, perdendo só para Fidel, como figura mítica. Como cronista da política mundial e artista interessado nos destinos de países que ousaram peitar o seu país de origem, os Estados Unidos, Stone podia fazer um filme menos quadrado. Mesmo assim, entendemos que esta é uma obra endereçada principalmente a não- brasileiros, de modo a conhecerem a linda, ainda que dolorosa história de nosso maior presidente. Assim, o filme vai até a sua infância, em Caetés, para depois acompanhá-lo como líder sindical em São Bernardo do Campo – SP, para depois contar brevemente o cenário político brasileiro, de 21 anos de ditadura militar bancada pelos Estados Unidos, e a primeira eleição ganhada por Lula, em 2002. Enfim, é um resumão um tanto apressado de nossa história, mas é muito gostoso de acompanhar, emocionante de relembrar passagens mais recentes, como o dia de sua prisão, o dia de sua soltura, o debate em rede nacional do segundo turno contra Bolsonaro tendo o juiz Sérgio Moro, talvez o vilão mais tenebroso da política brasileira, como auxiliar. O emocionante dia da apuração também aparece. O que há de mais novo mesmo é a entrevista com Lula, e a forma como Stone ainda conhecia pouco da política brasileira. Mas tudo bem: vivemos num país bem complexo mesmo.

NO CÉU DA PÁTRIA NESSE INSTANTE

Desde O PROCESSO, de Maria Augusta Ramos, que a quantidade de documentários sobre a cena política brasileira anda crescendo. Desde o “golpeachment” da presidente Dilma que o Brasil acabou se tornando um espaço fértil para diferentes vozes. E, claro, com uma extrema direita totalmente lunática e violenta, acabamos passando por situações absurdas, como foi o caso do ataque às três casas representativas dos poderes do Brasil no dia 8 de janeiro de 2023. É um tipo de data tão marcante, aliás, que todo mundo sabe onde estava quando do ocorrido. Mas, para minha surpresa, NO CÉU DA PÁTRIA NESSE INSTANTE (2023) não é apenas sobre esse dia e suas consequências, como dá a entender. Na verdade, Sandra Kogut volta no tempo para o período anterior à terceira vitória de Lula como presidente e apresenta aquele momento através do ponto de vista de pessoas da esquerda, da extrema direita, do então candidato a Governador do Rio Marcelo Freixo e sua esposa e de pessoas ligadas ao processo de votação nas urnas, gente que trabalha como mesário. Não deixa de ser emocionante rever a vitória apertada do Lula ou de ouvir com um sorriso no rosto o hit "Tá na Hora do Jair Já Ir Embora".

APOCALIPSE NOS TRÓPICOS

Gostei do recorte que Petra Costa fez neste seu estudo sobre a junção das igrejas evangélicas com a extrema direita. Antes de o filme terminar, estava lamentado inclusive ele não ir mais longe, mas imagino que as imagens finais são, sim, capazes de mudar a cabeça de algum bolsonarista menos radical que pode pensar: “eu sou igual a esses caras?” O principal personagem de APOCALIPSE NOS TRÓPICOS (2024) é o pastor Silas Malafaia, que não deve ter imaginado que sua figura seria pintada do jeito que foi a cada visita que Petra Costa e sua pequena equipe faziam a ele (em seu gabinete, em sua casa, em seu carro). Petra funciona, aqui, como um cavalo de Troia, ainda que em alguns momentos ela questione certas afirmações do líder evangélico mais alucinado do Brasil e demonstre ser alguém da ala progressista. O filme é dividido em capítulos interessantes, que nem sempre são felizes em fazer associação com aspectos da religião cristã, mas acho totalmente perdoável, já que o que mais importa é como se trata de um exemplo de ótima montagem: a gente vê tudo com muito interesse e suas quase duas horas passam voando. Gosto da inteligente proposta de também contar a história de como as lideranças evangélicas mais fortes começaram a se tornar populares nos Estados Unidos, e depois sua chegada tímida ao Brasil, até se tornarem, como repete Malafaia, 30% da população do país. Da história brasileira, APOCALIPSE NOS TRÓPICOS parece começar onde DEMOCRACIA EM VERTIGEM (2019) terminou e, por isso mesmo, já torço por um terceiro filme, sobre a queda de Bolsonaro e o embate com o STF.