Interview Gretchen Parlato『Flor』-花というテーマに込めた美しさ、生、死、目覚め、女性としての自分（10,000字）
以前、グレッチェン・パーラトの編集盤がリリースされたとき、僕は
「グレッチェンの声が聴こえるところに行けば、そこにはいつも新しいジャズが鳴っている。」
とコメントを寄せた。
2010年代に開花したハイブリッドなジャズの文脈において、「声」＝ヴォーカリストの重要性が語られることは多いが、その中でグレッチェンの存在感は絶大だった。グレッチェンが起用されているアルバムを探して、そこに参加しているミュージシャンを追っていけば、2010年代のジャズの面白いところをまとめた見取り図が出来上がるような感覚があったほどだ。だから僕は彼女の名前を日々探していた。
そんなグレッチェンは2011年の『Lost and Found』以降、スタジオ録音のアルバムを発表していなかった。
マーク・ジュリアナとの間に生まれた2人の子供を育てながらも、世界中でライブを行ってはいたし、ライブ盤のリリースもあったし、他のアーティストの作品へのゲスト参加も少なくなかったが、スタジオ録音の自作だけはリリースされていなかった。
『Flor』はグレッチェンが11年ぶりに発表したスタジオ録音の新作だ。
テーマはブラジル音楽。基本となるバンド以外にマーク・ジュリアナやジェラルド・クレイトン、更にはブラジル音楽の巨匠アイアート・モレイラらが参加している。
核となるバンドのマルセル・カマルゴやレオ・コスタ、アルティョム・マヌキアンはLAを拠点にしているミュージシャン。UCLA（カリフォルニア大学ロサンゼルス校）で学んでいたグレッチェンの大学時代の繋がりを起点にしたもので、ミゲル・アトウッド・ファーガソンやカマシ・ワシントン、ティグラン・ハマシアンなどと共演しているミュージシャンたちだ。
つまりこのアルバムは、ブラジル音楽がテーマであることだけでなく、これまでのようなNYのジャズ的なサウンドではなく、LAのサウンドであることは重要なポイントなのかもしれない。（これに関しては別項のレビューで書こうと思っている。）
ここでのグレッチェンは2人の子供たちを育てる中で感じたものや、その中で得たものを歌詞やサウンドの中に封じ込めている。楽器同士がせめぎ合い、絶えず変化を繰り返すようなセッションの感覚から一転、自分の物語を語ることや、自分の音楽を通して何かをシェアすることに軸足が置かれていて、どこかゆったりとしていて、ミニマムにミニマルに流れていくように僕には聴こえた。
ピシンギーニャによるショーロの名曲「Rosa」を室内楽風にしたり、ロイ・ハーグローヴの佳曲「Roy Allan」をサンバに仕立てたり、バッハによるチェロの無伴奏演奏のための組曲「Cello Suite No. 1, BWV 1007 : Minuet I / II」のチェロ部分をスキャットに置き換えて歌ったかと思えば後半はショーロ風のアレンジにチェンジしたり、ハイブリッドで自由な発想は相変わらずだが、より内省的でパーソナルだったり、これまでにないほど開放的でジョイフルだったりと、『Lost and Found』では聴かれなかったグレッチェンが音楽が聴こえてくる。
そういった変化の含めたこの作品に込めた近年のグレッチェンの思いをこのインタビューでは聞いている。僕の印象では、彼女の思いの多くは『Flor』という様々な解釈が可能な言葉に込められていると言ってもいい。
アルバムを1周聴いて、その心地よさに浸った後に、ここに書いてあるグレッチェンの思いを知って、その上で改めてもう1周聴いてみてもらえたら僕はうれしい。
※取材・構成・編集：柳樂光隆 通訳：染谷和美 協力：COREPORT
◉『Flor』の始まり
――まず最初に『Flor』プロジェクトのメンバーについて聞かせてください。このバンドでのライブが「Live: Gretchen Parlato flor at Wellington Jazz Festival 2018」としてウェブに上がっていたので、2018年には動き出していたことになります。
プロジェクト・メンバーはパーカッションのレオ・コスタ、チェロのアルティョム・マヌキアン、ギターと音楽監督のマルセル・カマルゴ。このバンドの特徴としてはベースの代わりにヴァーサタイルなミュージシャンのアルティョムのチェロがその役割を担っていることと、レオが本人曰く"オリジナルのドラムとパーカッションのハイブリッド・セッティング"と言っているものがリズムを担っていることです。
――マルセロ・カマルゴに関しては、2014年に彼のリーダー作『Behind Jobim』にあなたが参加していますよね。知り合ったきっかけは？
マルセロは大学生だったUCLA時代からの20年来のつきあいです。彼はブラジル人で、ブラジル音楽の知識も豊かだし、このプロジェクトにおける彼の果たす役割りがすごく大きいものになると思ったので、ミュージカル・ディレクターもお願いしました。私とアルティョムとレオとの付き合いはここ3年ぐらい。アルティョムとレオはマルセロとずっと共演し続けてきた友人なんです。このバンドで2018年からオーストラリアのウェリントン・ジャズ・フェス、ニュージーランド、メキシコ、LA、NYとライヴで回り、それが発展して2019年1月にこのアルバムを録音しました。
◉『Flor』のコンセプト
――では、アルバム『Flor』のコンセプトについて教えてください。
音楽的な面と、感情的・精神的な面の二つがあります。音楽的な面ではブラジル音楽を讃えるということで、私の好きなブラジル音楽のスタイルにフォーカスしています。今までジャズ・スタンダード、ブラジル音楽、オリジナル、POPSやR&B系のカヴァーもやってきましたが、その時々で、自分のスタイルに忠実にやってきたので姿勢としては今回も同じかもしれません。ここでやっているのはトラディショナルなブラジル音楽ではありませんが、フィーリングとして、或いは宙に漂うムードとしてブラジル音楽的なものがある、という感じです。私は常に元のもの（スタイルやジャンル）とは違うやり方で提示してきたし、今回もそうだと思います。
タイトルはポルトガル語で「フラワー」。なので、このアルバムの感情的・精神的な面ではまさに「フラワー」です。花が咲き始める、目覚めるというような意味合いを込めています。そこには女性としての自分の在り方もメタファーとして込めているつもりです。今まで「子育て」や「母」に専念してきて、今また音楽の世界に戻ってきて、みなさんに届けたいものがある、という自分のあり方、ですね。私にとって花は見た目もそうですし、象徴的な意味という部分でも今回のアルバムにとってしっくりきたんだと思います。
――さっきあなたが言ってたように、ここでやっているブラジル音楽はオーセンティックなものとは少し異なるオリジナルなブラジル音楽ですよね。その違い、つまりあなたのオリジナリティについてもう少しヒントをください。
これまで私がやってきたことはすべてにおいてトラディショナルではないと思っています。さっきも言いましたが、ジャズシンガーって言われている私が、今回はブラジル音楽をやっているわけですけど、私の音楽に関してはフィーリングとして、もしくは宙に漂うようなムードとして、それ（＝ブラジル音楽）っぽいものがあるということであって、常にもとにあったものとは異なるやり方で提示しているんです。今回、ブラジル音楽のレパートリーの中から自分が好きなサンバやブラジルの伝統的な音楽ショーロを選んだだけでなく、他にもオリジナルやR&B、バッハのようなクラシック音楽も選んでいます。そのアルバムの中でブラジル音楽にどうやって敬意を払うという意味だと、このレオ・コスタ、アルティョム・マヌキアン、マルセル・カマルゴによるアンサンブルがもっているテクスチャーにかかると、すべてにおいて経緯を払うことができてしまうということだと思っています。
◎＜É Preciso Perdoar＞
――では、ここからはそのレパートリーについて聞かせてください。＜É Preciso Perdoar＞はあなたが敬愛するジョアン・ジルベルトとスタン・ゲッツのバージョンでも知られる名曲で、僕は彼らのバージョンで初めて聴きました。ここであなたは原曲のポルトガル語詞を英語詞に書き換えてますね。
私もこの曲はジョアンとスタン・ゲッツの演奏で覚えました。私にとってジョアンはキング・オブ・エブリシングな存在だから、そのバージョンももちろん大好きです。タイトルの意味は「許してあげよう」です。これを普段はジョアンのヴァージョンを聴きながら、ポルトガル語で歌ったりもしてますけど、私の母語は英語だし、ポルトガル語に関してはきちんと理解ができていないので、ブラジル音楽のフィーリングは醸し出しつつも自分の音楽としてしっかり伝えるのであれば、アメリカ人である私は英語で歌ったほうが自分でも納得できるし、より伝わると思ったんです。なので、オリジナルに敬意を払いつつ自分のストーリーを伝えられるようにと思い、自分で英語詞を書きました。歌詞の中で伝えたかったのは「受け入れる」「許す」或いは「観念する」ということ。身動きできなかったり、暗く悲しい状態にあったとしても、そこにいったん身を置いてみるというような感覚ですね。私が伝えたかったことは「今、自分はどうなっているかをいったんきちんと見つめて理解し、その上でどうするか」でした。
◎＜Sweet Love＞：アニタ・ベイカー
――＜Sweet Love＞はR&Bシンガーのアニタ・ベイカーの大ヒット曲です。ブラジル音楽がコンセプトのアルバムの中ではすごくユニークな選曲だと思います。
アルバムの中では変わった選曲かもしれませんね。でも、私の過去のアルバムでのやり方を踏襲している曲でもあります。私はずっといろんな音楽を聴いてきていて、その中でも子供のころからアニタの音楽も声もずっと大好きでした。過去に歌ったマイケル・ジャンクソンやSWV、スティーヴィー・ワンダーのカヴァーと同じように自分の大好きな曲をどうやって敬意を払いながら、他とは異なる自分ならではのストーリーとして歌えるかというのがアレンジのポイントでした。アレンジはバンドの一体感を味わいながら書きました。5拍子のグルーヴなど、オリジナルとはかなり違うと思いますが、曲の良さは大事にしつつ自分らしくできたと思います。
――この＜Sweet Love＞は象徴的ですが、あなたのカヴァーはアレンジがユニークなので、最初はどんな有名な曲でも「この曲なんだっけ？」ってなって聴き進めると「あ、あの名曲のカヴァーだ！」ってなることが多いんです。＜Sweet Love＞の原曲はドラマチックだし、アレンジもゴージャスでした。それがすごくシンプルでミニマムになっていて、色彩感も全く違う。でも、楽曲にとって必要なものは残っているからすごく美しい。あなたのカヴァーはリズムやハーモニー、曲の構成などもいつもかなり変えていることが多いですが、自分のやり方の特徴ってあると思いますか？
カヴァーをやる時も、スタンダードやオリジナルも目指すところは同じで、作っているアルバム全体のファブリックやコンテクストにフィットするかどうかです。アルバムの流れを崩さないようなヴァージョンを作れるかどうかを考えていて、アルバム全体の一貫性とか曲同士の関連性をとても大事にしています。
アルバムにカヴァーを入れる場合、まず一度全て曲を骨組みの状態まで分解して、それから組み立て直します。構成要素としてはメロディ、ハーモニー、グルーヴ、更にはシンガーがどう歌ったか等があって、その歌にはどんな装飾がついているか、どんな技術で歌ったのかがあって、私もシンガーだからそれをなぞることもできるけど、それらはいったんすべて横に置きます。まずはその楽曲をとことんシンプルなところまで分解して、いちばん大事なことは何なのかを考えます。そもそも元々のメロディはどう書かれていてどう動いているか、どのようなハーモニーが乗ってこういう仕上がりになったのかを見ながら、徹底的にミニマムなところまで分析していきます。その後に改めて組み立て直すんですけど、その時には「このハーモニーは必要なのか、残したほうがいいのか」「グルーヴは同じままでよいのか、変えるべきか」等をひとつひとつ吟味しながら、じっくりと再構築していくのが私のメソッドです。
原曲に対するリスペクトはあるので、どっちがいいかって比較は必要ないと思いますけど、自分としてはこういうやり方で良い結果が出たなって思います。
◎＜Roy Allan＞：ロイ・ハーグローヴ
――カヴァーといえば、ロイ・ハーグローヴの＜Roy Allan＞。サンバになっているのも面白いし、ミニマルなアレンジの中でどんどんリズムパターンが変わっていくのも面白いです。
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