ﾛﾝﾄﾞﾝ行ってｷﾞｬﾗﾘｰなど見る回@Day02テートモダン

ファラ・アル・カシミは、境界を超えた画像と装飾的なインテリアがアイデンティティ、植民地主義、趣味を語る世界を構築します。
彼女の写真は、鮮やかな色と親密な瞬間で生きているシーンで、顔やジェスチャーがよく隠されており、最初は違和感を覚えるかもしれません。
ニューヨーク市とアブダビで撮影された彼女のクロスカルチャーな生活のイメージは、植民地の歴史、現代のアイデンティティ、消費文化の間の繋がりを探ります。
アル・カシミは、「写真は地理的に混乱する感じで、多くの複雑な場所にいることを示している」と説明し、過去と現在の物語を楽しく重ね合わせます。
ここで展示される作品は、アル・カシミの家族や友人の家庭や職場でのプライベートな瞬間を垣間見せ、ニューヨークとアブダビの地元コミュニティや小規模ビジネスの詳細を描写します。
これらのイメージは、社会における性別役割の実践、およびアラブ首長国連邦における英国とポルトガルの植民地影響の長期的な遺産を探ります。
アル・カシミはまた、鮮やかな色ときらめくテクスチャーを通じてデジタル消費文化の目眩く効果を捉えます。さまざまな形のイメージメーキングが重なり合い、ここでは写真やビデオ作品を活気づけるビニール壁紙にまで及びます。
アル・カシミは、視覚文化、地理的参照、社会規範をぼかすことで、ますます相互に関連し、ハイブリッド化する世界社会における場所や事物に対する認識や理解を問いかけます。

キュレーターはナビラ・アブデル・ナビ、国際アートキュレーター、ビラル・アッコウシュ、アシスタントキュレーター、国際アート。ブライアントギャラリーで開催。

Seven Rooms of Hospitality（7つのもてなしの部屋）は、移民や難民が耐えている状況を3Dプリントした模型のシリーズである。 作品は、難民、亡命者、国外追放者が住むことを余儀なくされる不安定な空間を探求している。
2015年8月、イラク、シリア、アフガニスタンからの亡命を求める71人がオーストリアの高速道路に放置されたローリーの荷台で窒息死した事件を受けて、アルマジャニはこの作品を制作した。
このシリーズは、哲学者ジャック・デリダとアンヌ・デュフールマンテルが1990年代のヨーロッパの移民改革に対して交わした会話「Of Hospitality」にちなんで名付けられた。

ジェニー・ホルツァー 1950年 アメリカ生まれ、アメリカで活動。

BLUE PURPLE TILT 2007年 7つの発光ダイオード列

ホルツァーは1970年代後半からテキストベースの作品を作り始めました。これには数百のスローガンや、多くの異なる視点を表現する一般的な言い回しが含まれています。BLUE PURPLE TILTは彼女の以前の作品からのメッセージを繰り返しています。その他のテキストは、「見つけた」フレーズで、文学や政治のソースから借用されています。ホルツァーは彼女のLEDディスプレイについて次のように述べています：「サインの素晴らしい特徴は、動く能力です。私はそれが話された言葉のようなものだから大好きです。あなたは物事を強調することができ、動かしたり一時停止したりすることができます。これは声の抑揚に相当する運動的なものです。」

ARTIST ROOMS テートとスコットランド国立ギャラリー。 The d’Offay Donationを通じて共同で取得し、 ナショナル・ヘリテージ・メモリアル・ファンドと アート・ファンド2008の支援を受けています。

この作品は、彫刻の5つの異なるセットから構成されています：「鹿」（元々は1958年に作られた）、「稲妻」、「ブーシア・フェリックス」、「山羊」、そして「原始の動物たち」。これらは、ボイスの1982年のインスタレーション「ワークショップ」に含まれるオブジェクトから鋳造されました。
ボイスによると、鹿は「苦境と危険の時に現れる、導きと保護の印」とされ、「温かく肯定的な生命の要素」をもたらすものです。アルミニウムで鋳造された唯一の部分である「鹿」は、まるで稲妻に照らされているかのように輝きます。
「稲妻」の大きな三角形は、大きな粘土の山から鋳造されました。ボイスにとって、「粘土は地球の物質であり、私たちが立っている基盤であり、恐ろしい殺戮の後に惑星を生命に目覚めさせるものです。」

ヨーゼフ・ボイスとジェニー・ホルツァーは、異なるメディアとアプローチを使用して、社会的および環境的な現実についての暗号化されたメッセージを伝えています。

ボイスの「稲妻とその眩惑の鹿」は、厳格で石化した環境です。ボイスは、可能な生態系の大惨事をほのめかすシンボルでそれを満たしました。彼は、地球の自然エネルギーを表す大量の粘土から、稲妻が地面を打つことを表す大きなブロンズの塚を鋳造しました。タイトルの鹿は、丸太の上にバランスをとるアイロン台で、光沢のあるアルミニウムで鋳造されています。ドイツ神話では、鹿は困難や危険の時に現れる導きと保護の印です。

目を引くホルツァーの「BLUE PURPLE TILT」は、表面上ははるかに直接的な方法でコミュニケーションをとるように見えますが、それでもなお謎めいています。彼女は私たちに彼女のメッセージを自分たちで読み解くように招待します。点滅するLED文は、私たちが毎日直面する情報過多と対立する視点に対処します。彼女は尋ねます、「これらの視点が存在し、時には喧噪し、時には戦い、時には殺人的であるとき、内外でどのように対処しますか？」

キャリアの初期に、ホルツァーは彼女のメッセージをポスターやTシャツに掲載し、博物館やギャラリーではなく、日常的な文脈で見られるようにしました。LEDサインは、広告や金融市場のディスプレイに使用されるもので、彼女のテキストベースのプロジェクトのための別の手段を提供しました。スクロールする電子テキストは、人々が都市の通りでテキストの断片に出会う方法を反映しています。

キュレーターは、バレンティーナ・ラヴァリア、ディスプレイ＆インターナショナルアートキュレーターです。
ARTIST ROOMSは、テートとスコットランド国立ギャラリーが所有する国際アートの巡回コレクションで、アートファンドとヘンリー・ムーア財団の支援を受けて、英国中の展示会で紹介されています。

ネルソン・レイナー 1932-2020 ブラジル生まれ、ブラジルで活動。

フォンターナへのオマージュ II 1967 綿、鋼、アルミニウム

パトリシア・フェルプス・デ・シスネロスによって寄贈され、 ティキ・アテンシオ・デミルジアン2009年の名誉を称えて ラテンアメリカ買収委員会を通じて。 112976

「フォンターナへのオマージュ II」は、キャンバスに穴を開けたり切り込みを入れたりして絵画の表面の向こうに新しい空間を作り出したイタリアのアーティスト、ルチオ・フォンターナへの遊び心あふれるトリビュートです。レイナーの作品は、カットの代わりにジッパーを使用し、異なる色の布のパネルを明らかにしています。元々、レイナーは観客がパネルを開閉して自分たちのリバーシブルな「カット」を作ることを招待していました。彼は「フォンターナへのオマージュ」作品の複数のバージョンを非常に低いコストで製作して販売する計画でした。

レイナーは最初、1963年の第7回サンパウロビエンナーレで展示しました。1969年には、ブラジルの軍事独裁政権の抑圧的な行動に抗議して第10回ビエンナーレをボイコットした数名のアーティストの一人でした。

ジリア・サンチェス 1926年生まれ
キューバ生まれ、キューバとスペインで活動、アメリカで作品を作る

ラス・アマゾナス 1968 アマゾン アクリル絵の具のキャンバス

この絵画では、抽象的な女性の体と幾何学的な形が伸ばされたキャンバスから浮かび上がっています。絡み合った形は激しい物理的なつながりを示唆しています。サンチェスの作品は、独特な形をした木製のフレームのためにしばしば「エロティックなトポロジー」と表現されます。タイトルは、古代ギリシャ神話でその激しい独立心で知られる伝説の女性戦士と狩猟者であるアマゾンにちなんでいます。サンチェスはハバナ、キューバに住んでいる間に抽象作品の制作を始め、1959年に第5回サンパウロビエンナーレに出展しました。

フェルナン・レジェ 1881-1955
フランス生まれ、フランスとアメリカで活動

葉と貝殻 1927
キャンバスに油絵

レジェの絵画はしばしば機械製の物体や現代の都市生活を祝福します。しかし1920年代後半には、彼は自然の形を作品に取り入れ始めました。絵の左側を下る曲線は、水平および垂直の線の基本的な幾何学的構造を柔らかくしています。それはまた、葉や貝殻の有機的な形へのリンクとしても機能します。これらの自然主義的な要素は、その流線型の形状で、画像の抽象的な部分と密接につながっています。 ​​

アントワーヌ・ペヴスナー 1884-1962
ロシア帝国生まれ、ロシア帝国、ロシア ソビエト連邦社会主義共和国およびフランスで活動

精神の解放を象徴する記念碑の模型 1952 ブロンズ

これははるかに大きな作品のための模型であり、 国際彫刻コンペティションへのペヴスナーの応募作品です。'未知の 政治犯'は1952年にロンドンの現代美術研究所が組織した記念碑の 委託によるものでした。ペヴスナーは、完全に直線的な要素から 複雑な有機的形態を構築しました。彼は、あらゆる方向から全体を 見ることができる建築的な存在感と幾何学的なデザインを持つ 抽象的な記念碑を作成しようとしました。繰り返される線は'監禁の象徴'です。 球体の深淵に浮かぶ動機は捕虜のイメージを強調し、それは 細胞の形で具現化されます。

カジミール・マレーヴィチ 1879-1935 ウクライナ生まれ、ロシア帝国で活動、後にソビエト連邦で活動

ダイナミック・シュプレマティズム 1915年または1916年
スプレムス キャンバスに油絵

マレーヴィチの抽象絵画は、第一次世界大戦とボリシェヴィキ革命の激動の時期に発展した、芸術実験の激しい時期に属しています。1915年にマレーヴィチは具象形態を捨て、幾何学的抽象という純粋な創造的体験を追求しました。彼の最初のそのような作品は、白いキャンバスに黒い正方形を描いた声明であり、絵画の発展にとって重要な瞬間を示しました。ダイナミック・シュプレマティズムは、白い背景に対して空間で活性化された明確な幾何学的形態を使用して開発した一連の作品に属しています。

ジョセフ・アルバース 1888-1976
ドイツ生まれ、ドイツとアメリカで活動

タイトル不明 アブストラクション V c.1945
紙にグラファイトとグワッシュ

アルバースは視覚的認識の性質に魅了されました。タイトル不明 アブストラクション V の連動する形は、遠近法のアイデアを使って前景と背景を区別することを困難にします。ドイツでは、アルバースは1923年からバウハウス美術工芸学校で教鞭を執り、1933年にナチス政権によって閉鎖を強いられた後、彼はユートピア的なアイデアを持ってノースカロライナのブラックマウンテンカレッジの新しい教職に移りました。下のショーケースに展示されたネオコンクリート宣言では、アルバースがブラジル運動に重要な影響を与えたと述べています。

アレクサンダー・カルダー 1898-1976
アメリカ生まれ、フランスとアメリカで活動

スタビレ c.1945
塗装された金属、鋼、ワイヤー

カルダーの彫刻は質量と重さの固体物体として現れるのではなく、それを取り巻く空気の流れと共に動きます。三脚の構造をスタンドとして使用し、この作品は、カルダーの吊り下げられた彫刻「モビール」と彼の静的な作品「スタビレ」の両方の要素を組み合わせています。1953年の第2回サンパウロビエンナーレでは、カルダーに捧げられたセクションがあり、いくつかのモビール-スタビレのハイブリッドが含まれていました。彼の作品は、幾何学的抽象とシュルレアリスムの間のつながりを提供しました。彼のサスペンションと動きの使用は、コンクリティズムやネオコンクリティズムなどのブラジルの芸術運動に強い影響を与えました。

ルチオ・フォンタナ 1899-1968
アルゼンチン生まれ、イタリアとアルゼンチンで活動

空間概念「待ち」1960
キャンバス

「空間概念、待ち」は、切り込みが入った塗装されていないキャンバスで、黒のガーゼが裏打ちされています。これは「タリ（切り込み）」と呼ばれるシリーズの作品の一部で、フォンタナが1958年から1968年の間にミラノで制作しました。キャンバスに切り込みを入れることで、二次元と三次元のアートワークの境界線をぼかします。この切断は、損害を与える暴力的なジェスチャーとして見ることもできます。しかしフォンタナにとって、それは平面の彫刻的な可能性を解き放つことです。「私は破壊したのではなく、構築した」と彼は説明しています。黒のガーゼは虚空のような外観を作り出し、私たちを引き込むか、リスクの感覚を呼び起こすかもしれません。

マリア・ヘレナ・ヴィエイラ・ダ・シルヴァ 1908-1992
ポルトガル生まれ、ポルトガル、フランス、ブラジルで活動

回廊 1950
キャンバスに油絵

ヴィエイラ・ダ・シルヴァは第2回サンパウロ・ビエンナーレに参加し、第6回1961年のメイン賞を受賞しました。彼女は戦後パリにおける表現主義的抽象画の重要人物でした。彼女の作品は常に可視的な世界への言及を保持し、しばしば迷路のような建築形態を複雑な遠近法の線で描いています。この作品は、ヴィエイラ・ダ・シルヴァが育ったポルトガルの家庭の空間に一般的なタイル張りの表面を想起させます。彼女は紫、青、緑、黄色、赤を使って「回廊」を描きました。多くの白い絵の具と混ぜ合わせた彼女の色は、遠くからでは微妙な色合いが見えにくいです。

このアーティストは、映画とニュースメディアがアイデンティティを形成する上での世界的な影響を探求しています。

ミン・ウォンは、映画の代替歴史を想像するアートワークを作ります。『模倣の人生』では、ウォンはダグラス・サークの1959年のハリウッドメロドラマ『模倣の人生』のタイトルを反転させています。この映画は人種的アイデンティティと「通過する」という概念を検討しています。ウォンのバージョンでは、彼は黒人のメイドと、肌が白く「白人として通過する」ことができる彼女の娘の間の感情的に充電されたシーンを再演します。ウォンは、シンガポールの三大民族グループ、中国人、マレー人、インド人の男性俳優を採用しています。これらの女性の役割で男性をキャスティングすることにより、ウォンはメロドラマの誇張された動きと表現と、ドラッグのそれとの間に関連性を描きながら、同時にシンガポールのアイデンティティの概念を複雑にしています。

*「通過」(passing)とは、自分のものとは異なる人種的アイデンティティの外見を与える行為を説明するために使用される用語で、通常はより特権的な多数派が通常享受する社会的および経済的利益にアクセスするために使用されます。

ポップを超えて

世界中のアーティストたちは、社会的および政治的問題にコメントするために、大衆メディアから画像を借用してきました。

ポップアートは大量生産されたポピュラーカルチャーのイメージと関わりを持ちます。しばしば北米やイギリスの現象と思われがちですが、実際には様々な文化や国々が1960年代から1970年代にかけてポップムーブメントに貢献しています。

この部屋の多様な作品を結びつけているのは、人物やその他の認識可能な形態の存在です — これは20世紀半ばのアートにおける抽象表現の支配に対する反応です。イメージはしばしば広告や大衆プレスから借用され、多くの作品が商品パッケージやサインの大胆な形や色を模倣しています。

しかし、ここに展示されている作品が示すように、ポピュラーや商業的なソースを描くことがポップアートを消費主義を祝うことにつながるわけではありません。代わりにそれは、クールな皮肉から反体制的な社会批評に至るまで、さまざまな反応を包含することができます。

キュレーション：フラヴィア・フリジェリ

具体美術協会

日常の材料を使用し、具体アーティストたちは芸術制作に新たな自由をもたらしました。遊び心を持って、彼らは絵画、パフォーマンス、インスタレーションといった拡張された形式で実験しました。

具体美術協会は芦屋市を拠点として、吉原治良によって1954年に設立されました。個人の精神は彼らの哲学の中心でした。第二次世界大戦中、日本の全体主義的な政権は統一された国家アイデンティティを推進しましたが、個人の表現は抑制されました。戦後、具体は芸術的実験を追求しました。

「具体」という言葉は、アイデアの物理的な体現を意味します。この用語は「gu」つまり道具や何かをする方法、「tai」つまり身体を意味する言葉から来ています。行動と素材はアーティストにとって同じくらい重要でした。異なるスタイルで作業をしていたとしても、具体のアーティストたちは実験的なアプローチで団結していました。彼らは従来の制作方法を拒否し、裸足で絵を描いたり、ジョウロ、自家製の大砲、さらにはリモートコントロールされたマシンを使いました。彼らのアートワークや「パフォーマンスペインティング」は、それを生み出した行動の記録として残っています。創造の行為は、結果のアートワークと同じくらい重要です。

このグループはさらに、ギャラリーの枠を超えて展示会を行うことで伝統を破りました。彼らは公園や舞台、さらには空に展示会を開催しました。彼らの作品の多くは場所特有であり、儚いもので、「芸術を生きた時間に持ち込む」ことを目指しました。今日、これらの作品は主にドキュメンタリー写真としてのみ存在し、その多くがこの展示に含まれています。

キュレーション：ヘレン・オマリーとキャサリン・ウッド

「エレクトリックドレス」は、手塗りの赤、緑、黄、青の点滅する電球で作られた着用可能なアート作品です。田中敦子は、テクノロジーとアートを融合させた実践を行った最初の具体のアーティストの一人でした。彼女は1950年代の新しいネオンで満ちた日本の都市風景にインスパイアされました。この作品は、パフォーマンスを行う間に着用することを意図して設計され、小さな電気ショックを着用者に与えることができ、彼らが光の電球の物質的な特性と直接的に対話することを可能にしました。

田中隆二は、京都市立絵画専門学校で日本画を学びました。別の具体のアーティストである白髪一雄も彼と一緒に学びました。日本画では、顔料に糊を混ぜて固定剤として使用します。これを筆で塗ります。この作品では、田中は鉱物顔料に小石を加え、羽を使って絵の具を塗ることで、伝統的な日本画のスタイルと技法に挑戦しました。

名坂有子 生まれ 1938年 日本で活動

無題 / 1964年
合成ペイント、プラスターと接着剤を綿に塗り、木製ボードに取り付け

この作品は8枚のプラスターパネルから成り立っています。永島洋子は陶器の車輪を回しながら、プラスターにパレットナイフで模様を彫りました。その後、彼女はプラスターにダークブルーのラッカー塗料を施しました。テクノロジーを駆使した作品を試みた具体アーティストの世代の一人です。彼女の作品は、工業素材を使用し、日本の急速な経済成長を象徴しています。

前川強 1936年生 日本で活動

二つの接続点 1962年
キャンバスに油絵の具と麻布

二つの接続点を創るために、前川は麻布の切れ端を配置しました。麻布は元々米袋などに使われる布で、キャンバスに固定し、その上に油絵の具を注ぎ、縫い、捩じり、引っ張ることで、抽象的なテクスチャーを創り出しました。このプロセスは、画面の外側にある物質的なソースを探求することで、絵画とは異なるイメージを生み出します。前川は具体派の重要なメンバーで、彼らの作品は日常的な素材や工業的な方法を採用し、絵画とパフォーマンスの関係性を探求しています。

テート・モダンに世界中から客が来る
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みんな「Gutai」を見て興奮する
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本場の日本で「Gutai」をもっと見たくなる
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札束持って来日する
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ねえんだな、そんな美術館・・・・