＜植物画とは何か＞（４）ー３：トーハク常設展の日本、中国の「花鳥画」「山水画」の作品から日本絵画の特徴を考えてみた。

I.「生きている」：＜茎と葉の空間配置＞から美を考える：「花」ではない、植物画の美、日本絵画の美（私見）
私が考える「博物画（植物画）」が美術である理由
（１）西洋の植物画の場合：
　記事（４）－１に投稿済みです。
（２）東洋の植物画の場合
　記事（４）ー２に投稿済みです。

１）南宋：伝王李本、伝馬麟
２）元：伝徐崇嗣、葛叔英
３）明：林良（２）、呂紀、呂健、簫増、王蒙（２）、居節、王紱、倪瓚、皇甫燙、董其昌、陸広明、李流芳、文伯仁
４）清：王岡、沈銓(南蘋)、李玥、王鑑、黄易（４）、胡鉄梅、呉昌碩、銭穀、侯懋功、文嘉、徐枋、銭杜、沈宗敬、董邦達、陶琳、法若真、羅牧、藍瑛、李世倬、奚岡、姜実節、馮仙提、惲寿平

１）室町時代：雲渓永怡、岳翁蔵丘、玉畹梵芳、元賀、狩野元信、狩野秀頼、狩野松栄、秋月等観、性暁、雪舟、祖栄、伝狩野元信（２）、伝狩野正信、伝周文（２）、伝曾我宗誉、土佐光信
２）桃山時代：長谷川等伯
３）江戸時代：伊藤若冲（６）、伊年（俵屋宗達工房）、浦上玉堂、円山応挙（２）、歌川広重（１５）、歌川豊国、葛飾北斎（５）、岸駒、久隅守景（２）、呉春（３）、柴田義菫、狩野栄信（２）、狩野山楽、狩野山雪、狩野常信、酒井抱一、酒井鶯甫、住吉具慶（２）、春木南溟（２）、松村景文（３）、森狙仙、青木木米、曽我蕭白（３）、増山雪園（２）、池大雅（４）、中林竹溪、長谷川雪旦、長谷川嵐渓、椿椿山、田能村竹田、土佐光起、光成、東東洋、尾形乾山、俵屋宗雪、俵屋宗達（３）、本阿弥光甫、与謝蕪村（２）、立林何用、彭城百川、礒田湖龍斎（２）、長澤蘆雪
４）幕末・明治時代：安田靫彦、横山大観（３）、河合玉堂、河鍋暁斎、橋本雅邦（２）、熊谷直彦、幸野煤嶺、今村紫紅（２）、前田青邨（２）、速水御舟（２）、富岡鉄斎

１．魏晋南北朝（200-589）、隋唐（581-907）の著色絵画、青緑山水が、すでに絵画的に十分完成していることを考慮すると、水と墨だけで新たな絵画表現を見つけた五代（907-960）、北宋（960-1127）の水墨画（水墨山水）は、南宋以降（1127-）の中国の絵画に共通する特性を示し始める。
２．その特性は「緻密」、「精緻」、「細密」、「ゆるがせにしない」が第一印象であり、日本人的感性では、時に「粘着性」「くどさ」を感じ、息苦しく思う場合がある。
３．花鳥画からは動植物の描写の「写実性」、「正確さ」を共通に感じる。しかし完全な写実を目指しているわけではなく、樹木の造形など奇抜な表現も多い。
　植物は大気も合わせて生きている環境で描かれ、大気の動きも感じさせる。同じモティーフが年代を超えて繰り返されており、ある種の約束事（吉兆などの象徴）で描かれていることを示す。
４．山水画はからは花鳥画同様「緻密」、「精緻」、「細密」、「ゆるがせにしない」の印象に加え、自然物を描いていても人間が中心で、それも「生活」ではなく「政治性」、「精神性」など、どこか理屈っぽさを感じさせ、抒情性は乏しい。ただし本家中国では忘れられた牧谿の絵は抒情性を感じ例外的である。
５．山水画の「奇岩」や「かぎづめ」のような「樹木」の造形、掛軸の下から上段近くまで埋め尽くした水墨描写からは張りつめた「緊張」を感じさせる。また奇岩や樹木の間、川面、湖面の上の余白部分は、中国絵画のいわゆる「気」が充満しているを感じる。
６．今回見た作品の画家は、宮廷画家であれ民間画家であれ職業画家であるが、（高級）官僚、進士出身が多い。さらに失脚、亡命、遺民など、政治的原因で野に下った背景を持つ人物も多い。。それらがメインで、それに画僧が加わる。

１．筆と絵具と紙、筆と墨と紙からなる画材および筆による線描、彩色技術のすべてを中国から受けて入れているので、乱暴な意見であることを承知で言えば、日本絵画は中国絵画の模倣、二次的作品のように見える。
２．水墨画では、室町以降に禅僧により導入された水墨画を描く日本人画家は中国をお手本とし、中国の著名な画家にひたすら倣う作品が多い。
　中国を手本にすることは、多様な水墨画の様式が生まれた江戸期になっても続く。しかしわが国では、本家の中国水墨画が持つ「緻密さ」、「厳しさ」は薄れ、江戸期の文人画に分類される南画では、中国が重きを置く士大夫の人生感、すなわち人間中心の「思想性」、「政治性」がほとんど感じられない。
３．一方、平安時代の中頃から生まれた絵画様式「やまと絵」は、日本の自然や風土の造形由来の「曲線性」、「やわらかい」、「ゆるい」という特徴や「装飾的」描写という言葉が浮かぶが、技術的に「稚拙」の印象は免れない（例外は、記事＜植物画とは何か＞補遺で指摘した《鳥獣人物戯画　甲巻》の作者の筆づかい）。
５．物語絵巻、縁起絵巻という中国にはないジャンルの長尺の巻物、あるいは日本の建築様式から生まれた屏風、襖は、絵画用大画面を提供する。その結果、襖に描かれた中国にもない大画面の水墨画が描かれ、桃山時代には武家の好みに合った和漢融合の大画面障壁画が生まれた。
６．絵画は中国と同じく上流階級向けだった。しかし中国の絵画が清王朝まで宮廷や高級官僚向けが主体だったのに対し、日本は鎌倉、室町以降、権力者、上層階級が武士に変化、宗教も奈良仏教から密教、禅宗、鎌倉新仏教（浄土宗、浄土真宗、時宗、日蓮宗など）と変化しながら共存、同時に古来の民俗宗教である神道（自然崇拝、八百万の神）や八幡信仰とも習合した点が異なる。その結果「筆、墨、絵の具」の画材は変化がないので、表面的には中国の模倣、二次的作品に見えても、内容、表現は室町以降、江戸にかけて大きく変容している。
７．特に室町期に生まれた武家の生活芸術（禅と暮らし、建築、庭、茶道、華道など）の中に絵画も位置し、後の日本絵画の流れを作る。宮廷絵師や御用絵師も掛け軸や巻物の様式以外に襖、戸、屏風にも描き、建築様式の変化のため絵画と生活用具との境が明確ではなくなる。さらに桃山から江戸にかけて、絵師が着物の柄のデザインや陶芸の染付、家具、茶道具、装身具などの装飾まで手掛け、工芸であっても高度な絵画性を有する作品が生まれる。　
　その結果、中国の絵画観からはずれた、見た目に「派手」、「綺麗」など金、銀も使った「豪華」な障壁画から、洛中洛外図や扇子絵や物を散らした屏風絵、「優美」で「装飾的」な琳派様式の秋草図、一方禅寺のモノトーンな水墨画の襖絵まで、すなわち土佐派、狩野派のような御用絵師から、四条円山派、文人画（南画）、今日でいう奇想の絵師達による多種多様な絵画が現れる。
　以上の中国人の絵画観と異なる絵画とは別に、欧米人からは「奥行きがない」「明暗、陰影がない」、すなわち「遠近法が正確でない」、「立体がなく平板」との見方も加わる。
８．絵画発注者の権力中枢の差だけでなく、中国と大きく異なるのは商業経済の発展と町人の台頭による大衆向け絵画の隆盛である。
　歴史的には従来の公家、武家の上流階級はもちろん、寺子屋制度により身分に差がなく高い識字率を誇り、下は農民階級まで知的水準が高まった。例えば俳諧、狂歌にあらゆる階層が熱中したように、江戸時代の絵師の出身は大名から農民まで幅広い。興味深いのは、身分を越えた交流が行われ、相互に刺激し合う知的コミュニティーが形成されたことである。
９．さらに特筆したいのは、西洋に先んじて大都市（江戸、大坂、京都）の誕生・発展と大規模な出版文化が生まれたことである。
　絵画的には、読本の大量出版と木版による挿絵の高度化が進み、江戸においては、市民向けの浮世絵版画が生まれた。すなわち、今日の商業美術にあたる。絵師は多くの新たな制約（消費者ニーズ、コスト、幕府規制など）の中で描かねばならず、今日のデザイナー、イラストレーターや漫画家と同様、多くの絵師間の激しい競争、切磋琢磨と相まって、それらの制約が却って様々な創意工夫や独創的な絵画様式を生んだ。正確に言えば、それは絵師だけでなく、版元（プロデューサー、ディレクター）の市場ニーズを読み取る力、企画力、経営判断を含むマネジメントと絵師の絵画的能力（技術、美的センス、独創性）、木版職人（彫り師、摺師）の技術の協業の上に成り立つ。
１０．日本絵画の中国と異なるもう一つの特徴は、西洋絵画の技法の導入の違いである。やまと絵では伝統的に平行線による遠近法、水墨画では中国の様々な遠近法を守り続けたが、18世紀に吉宗の洋書輸入解禁以降、西洋の線遠近法が導入され、ほぼ完ぺきな線遠近法による「浮絵」が生まれた。しかし、線遠近法を完全に習得した後も、北斎、広重は、その風景画の中では正しい線遠近法ではなく、モティーフに応じて、伝統的な平行線遠近法と混ぜたり、わざと多消失点にしたりと絵画的効果を狙った構図を採用しているように見える。
１１．「植物画」の観点から、中国の「花鳥画」、「山水画」に注目して、室町時代の水墨画、江戸時代以降の南画を含む絵画の実作品を見てきたが、中国の精緻さや精神性を超える作品は見出せなかった。例外は浮世絵版画である。鈴木春信、喜多川歌麿の美人画、東洲斎写楽の大首絵、葛飾北斎、歌川広重の風景画は、世に言われる通り、素晴らしい。しかし個人的に常設展展示の浮世絵版画の中で、意外にも感銘を受けたのは、喜多川歌麿の《画本虫撰》と歌川広重の一連の「花鳥画」である。浮世絵ではないが、伊藤若冲の《玄圃瑤華》も強い印象を受けた。どの作品も際立った作家性（西洋的な意味での作家の芸術性、個性）を感じる。ところが日本ではこれらの花鳥画版画はメインではなく二次的な扱われ方をされているように思える。
１２．近代西洋絵画史の中で日本絵画の影響（ジャポニスム）が語られるが、歌麿、写楽、北斎、広重ら浮世絵版画ばかりで、やまと絵や水墨画の影響は取り上げられていない（マネの漆黒への影響は除く）。ところが、幕末から明治初期にかけての絵師、とくに柴田是真、渡辺省亭らの作品は欧米のコレクターや美術館に受け入れられている。
　それに対し、明治以降、現代まで続く「洋画」と区別するために名づけられた近現代の「日本画」の作品は、大家といえども欧米のコレクターや美術館からは高い評価を受けていない。一体その理由は何故なのか？

４）日本絵画を愛する立場からの感想：おおいなる勘違いが生んだ独自性？